Artetropia

Fallingwatter ou a Casa da Cascada faz 75 anos!

2011-09-13T16:58:00.001+01:00

Uma das casas mais famosas do mundo já tem 75 anos de idade. No momento de sua construção rompeu com tudo que se conhecia até então, obra de um homem que é conhecido como o pai da “arquitetura moderna” – Frank Lloyd Wright.

Bem é certo que nasceu graças a super confluência de fatores: o arquiteto certo + ajudantes fenomenais + um proprietário com dinheiro e aberto ao novo.

Edgar Kaufmann era proprietário de umas terras de relevo irregular, com quedas d´água e umas cabanas que estavam prtaicamente se caindo. Como era um lugar de veraneio da família, pediu a Wright um projeto para construir uma casa mais confortável para que pudesse passar aí algumas temporadas. Ele imaginava, como metade da torcida do flamengo, que o arquiteto ia construir a casa embaixo de uma grande cascada. Que nada, o Wright colocou a casa exatamente em cima.

Dois pontos que quero destacar:
1. O arquiteto integrou à casa ao meio, e não fez com que o meio “se integrasse” ao seu desenho. Que em outras palavras, na maioria das vezes, significa: DESTRUIR!
2. A influência da arquitetura japonesa, onde um ambiente interage com outro. Até 1963 a Família Kaufmann utilizou a casa, quando doaram o lugar ao Western Pennsylvania Conservancy. Desde 1964 se pode visitá-la, é uma espécie de museu. Que oferece diferentes tipos de visitas, desde a mais normal guiada de 1 horinha, até tours que incluem desfrutar do por-do-sol nesta obra-prima.

O primeiro video é uma recriação da casa em computador, dá uma idéia precisa do que é INTEGRAÇÃO, e o segundo fala sobre o conceito dos espaços interiores.

Para saber mais sobre a casa, visite o site oficial: http://www.fallingwater.org/

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http://artetropia.blogspot.com/2009/05/niemeyer-curvas-e-muita-bossa.html

Imagens: http://www.fallingwater.org/ , Mikey Exists e Jason Bechtel

Um passeio por 100 anos de Moda!

2011-09-02T18:28:00.003+01:00

Olha que idéia mais genial. Lançar um shopping mostrando a evolução da moda nos últimos 100 anos. O shopping abre no dia 13/09 e se auto-denomina como o maior shopping urbano de Europa - Westfield Stratford City.

Onde fica? Na Grande Londres, em Strtford, a 11 minutos de Canary Wharf. Já é reflexo dos investimentos olímpicos, e claro sua localização, ao lado do Parque Olímpico Londrino. Entre lojas e afins serão 300 estabelecimentos. Sem contar os 50 lugares para comer e as 17 salas de cinema. Quer mais? O maior casino de Reino Unido, 3 hotéis e áreas de entretenimento, ufaaaaa.....Mas vamos ao que interessa, o pré-lançamento criativo do emprendimento. Aperta o play e desfruta em 1 minuto e 41 segundos de 100 anos de MODA!

Para ver Dicas de viagem da Inglaterra, clique aqui.

Guia do Museu Prado - para começar a viajar na arte!

2011-09-01T15:57:00.001+01:00

Estava meio desaparecida por causa deste projeto que lhes apresento hoje! O primeiro de uma série de guias relacionados com o Artetropia e o Turomaquia! Espero que vocês curtam e prometo mais novidades por aqui, a partir da próxima semana!

Eu sou apaixonada por museus. Ok, até aí você deve estar pensando, isto não habilita ninguém escrever sobre arte e museus. Acontece que sou formada em Artes Plásticas. Trabalhei anos em diferentes museus de Curitiba e também aqui em Las Palmas de Gran Canaria (Espanha). Fui professora de Artes e de História da Arte da Educação Infantil até o Mestrado. Escrevi material didático de Artes Visuais e Teatro. Por fim, uma tese sobre “Turismo Cultural e Museus”.

Mas acho que de verdade, o mais importante, é por onde comecei: SOU a LOUCA dos MUSEUS! Tentando espalhar este amor, vi que a melhor maneira seria criando guias sem complicações. O mais chato para quem não está acostumado com a arte, deve ser pagar por um audio-guia que ao invés de explicar, confunde. Ou que ao falar de uma obra que está na tua frente, utiliza referências de outro pintor ou obra que você nunca ouviu falar na vida!

Com isso na cabeça, acabo de escrever o primeiro guia Turomaquia, que vai fazer parte de uma série chamada: Viajando na Arte. O museu escolhido foi o 11º. museu de arte mais visitado do mundo: o Prado. O mais importante de Espanha. E uma daquelas visitas obrigatórias na capital.

Prá começo de conversa, desenvolvi 10 passos para que qualquer pessoa se divirta mais do que nunca visitando qualquer tipo de museu. No guia chamei estes passos de: Mandamentos para se divertir à beça em um museu.

Continuo com curiosidades sobre o lugar, por exemplo, porque o Prado leva este nome, ou qual é o maior quadro exposto por lá. São duas páginas sob o nome: Você sabia que …”.

Depois entramos de cheio na coleção do museu, no “Imperdível no Prado”. O museu tem um montão de obras expostas, que obviamente num dia ninguém consegue ver. O melhor numa primeira visita é escolher aquilo que você só pode ver no Prado. Como assim? Em nenhum outro museu do mundo vai ver tantas obras de Diego Velázquez e tampouco o quadro que em 1985 foi considerado um dos melhores da pintura ocidental!

Com estes critérios selecionei uma série de obras de 3 artistas. Mas nada de linguagem técnica ou chatices. O que pretendo é que você curta muito a visita e que perceba que a arte é acessível a todos. Que é questão apenas de treinar os olhos. Que algumas poucas indicações lhe darão uma nova perspectiva fascinante dos quadros,esculturas, o que seja! E que esta nova forma de ver, vai realmente fazer parte da tua vida. Você vai deixar de ser daqueles que foi porque afinal tinha que ir, para esperar ansioso a próxima visita a um museu de arte!

O guia termina com as informações necessárias para planejar a visita. Com preços,horários de funcionamento, serviços oferecidos e como chegar ao museu, na seção: “O Prado na hora H”.

NÃO! Se você quer saber um pouco mais sobre Velázquez, Goya ou Bosch, te juro que este é TEU livro. Através das obras selecionadas, faço uma pequena viagem na vida e forma de pintar destes 3 mega-blaster-artistas. São 54 páginas A5 (metade de uma folha sulfite normal), sendo que a maioria fala dos artistas e das obras. Precisamente da página 10 a 51, portanto uma forma de conhecer mais sobre arte. E como o guia traz as imagens das obras, é uma forma de começar a treinar teu olhar!

Custa praticamente o mesmo que o audio-guia no museu: 4,00€. A diferença é que você não terá que devolver o guia no final da visita. Poderá revê-lo quando queira. E outra grande diferença: vai ler no teu idioma. O museu não oferece audio-guia em português!

Escrevi o guia, mas todo o projeto gráfico é da Carol e da sua equipe da ddq design. O desenho torna a leitura ainda mais gostosa!

Que a minha loucura por museus te contagie!

O guia será vendido apenas on-line, em duas versões de pdf:
1. Versão para impressão: escolha esta se quer ler no teu computador ou imprimir. Está preparada para imprimir duas páginas por folha sulfite normal.
2. Versão para E-Book: é a melhor se quiser ler o guia no IPAD, Kindle e afins. Você também pode imprimir, mas sairá uma página por folha sulfite.

A venda em si se realiza através de PayPal, o que é muito melhor, já que é um ambiente seguro. Você pode comprar através da tua conta PayPal, mas se não tiver uma, não se preocupe, pode utilizar teu cartão de crédito. Em ambos casos, em menos de 3 minutos estará lendo teu guia.

Depois que efetuar o pagamento, é só clicar em venda completada ou “complete purchase” e abrirá uma página para você descarregar seu guia. Não conseguiu. Não se preocupe, você receberá um e-mail com um link, onde terá outra possibilidade de fazer o download.

fotos: turomaquia e ddq design

Múmias incas – Juanita e Sarita

2011-07-13T06:00:00.001+01:00

Em março estive viajando por Peru. Em Arequipa fui ao Museu Santuarios Andinos UCSM
conhecer a Juanita. Uma menina super famosa no país, mas que viveu há cerca de 530 anos atrás. Era inca e foi sacrificada bem no alto de uma montanha com neve perene. E foi esta neve que permitiu que tanto ela como Sarita (outra múmia) chegassem até nossos dias em super bom estado.

Primeiro, é importante frisar que eles não sacrificam a torto e a direito. Somente em momentos de crise, quando pensavam que seus deuses estavam por alguma razão insatisfeitos com eles. Por exemplo, no caso de terremotos.

Sacrificavam crianças, que se escolhiam por sua perfeição. Primeiro entre os filhos dos nobres e quando não encontravam entre estes, buscavam entre todos os cidadãos. Era um privilégio ter um filho ou filha escolhida.

Os eleitos eram levados a uma casa onde já não tinham contato com a família. Só podiam ser tocados pelos sacerdotes. Eram considerados puros, verdadeiros semi-deuses. Com sua morte eram elevados à condição de deuses!

Os sacrifícios se realizavam no pico das montanhas. Imagina como chegavam lá, estamos falando de alturas em torno aos 5.000 metros! Para não sofrerem tanto com o mal de altura e nem dores durante o sacrificio, tomavam muito chá de coca e mascavam a erva. Chegavam ao ponto do sacrificio basicamente anestesiados.

A morte era rápida e limpa. Uma pancada na cabeça com um objeto próprio para a ocasião. A pancada era tão forte, que numa das crianças encontradas, o cérebro estava deslocado!

A mais de 500 anos. Juanita foi sacrificada quando tinha entre 12 e 14 anos. Sarita tinha 17 anos.

Importante: cada 6 meses uma múmia fica exposta. Em março, estava Sarita. Além das múmias, estão expostos objetos encontrados junto a elas. Um guia explica tim-por-tim durante a visita.

Para saber mais sobre a visita, visite o Turomaquia.

Site do museu: http://www.ucsm.edu.pe/santury/

Fotos: http://www.ucsm.edu.pe/santury/
Video: http://www.youtube.com/user/xwishmasterx2

A grande exposição do verão madrilenho: Antonio López no Thyssen

2011-07-05T18:29:00.001+01:00

O Museu Thyssen em Madri abriu 28 de junho uma expo do artista Antonio López. Daqueles que na gíria popular chamaríamos de “artistão”. Um senhor no bom sentido da palabra, não pela idade, já que nasceu em 1936, mas pela dignidade que a palabra traz em si.

Acho que isto devia bastar para convidar qualquer pessoa a passear pelo museu. Mas em tempos de mercado duro e competitivo faz falta mais. Para tanto, deveria começar dizendo, que é um dos artistas espanhóis vivos mais cotizados do momento!

Para quem curte comparações diria que me lembra ao americano Edward Hopper. Só lembra, porque ao contrário do americano, Antonio não parece espiar aos personagens que aparecem no quadro. Nos grandes quadros realistas, a cidade é o personagem, sem mais! Homenageia a cidade que retrata. Neste tema, a sua grande musa é Madri. Retratada em diversas pinturas, entre elas : Madrid desde las Torres Blancas”. Uma tela de grandes dimensões: 1,56 x 2,44 metros.

Além das paisagens, há retratos e esculturas. 130 obras, uma oportunidade de ver telas que pertencem a coleções privadas. Uma oportunidade de ver Madri com os olhos de Antonio. Certeza que ao sair, você terá vontade de tirar fotos, desenhar, pintar, sei lá, cantar a Tua Madri.

“Trabalho mais sobre a parte positiva dos sentimentos” – Antonio López

+Info:
A exposição fica até 25 de setembro, depois viaja a Bilbao.
Horários:
De terça a sábado das 10:00 às 23:00 horas, e aos domingos das 10:00 às 19:00 horas.
Ticket: 10,00€, se quiser ver também a coleção (acervo) do museu, compre a entrada combinada a 13€.
O número de pessoas que entra por hora à expo é controlado, por isso adquira antes sua entrada!

Veja um video com o artista, clicando aqui, é de arrepiar. Ao menos eu me arrepiei assistindo. São 15 minutos onde Antonio conversa com a gente sobre sua trajetória e sua obra.

fotos: elpais.com

Uma campanha que é pura arte: Christian Louboutin, o dono dos sapatos de sola vermelha!

2011-06-22T17:30:00.001+01:00

Em 2009, o designer de sapatos - Christian Louboutin realizou uma campanha em parceria com o fotógrafo: Peter Lippmann. Naquele momento, a inspiração foram as grandes naturezas-mortas do século 17 e 18. Naturezas-mortas são quadros onde aparecem objetos ou seres sem vida, como flores, livros, instrumentos musicais, animais, etc. Os holandeses deram fama e levaram este tipo de quadros à perfeição.

Nesta semana se divulgaram as novas imagens da coleção outono-inverno 2011/2012. Repete Lippmann e o conceito de utilizar grandes obras como inspiração. Só que desta vez a relação com a pintura é ainda mais evidente. Os quadros se recriam, e em cada um deles aparecem produtos Louboutin. Das 6 obras, as 3 que mais gostei foram inspiradas na ordem que aparecem por: “Retrato de uma negra”, de Marie Guillaume Benoit; “Madalena e a chama” ou “Maria Madalena Penitente”, de Georges La Tour e "Arranjo em cinza e preto: retrato da mãe do artista", de Whistler.

Poderíamos dizer que estas fotografías são releituras, interpretações das pinturas de cada um destes artistas.

Imagens: http://www.modapreviewinternational.com

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O pintor “a luz de velas” – Georges la Tour

Van Gogh ou Theo, quem dá mais?

2011-06-22T14:39:00.001+01:00

Esta semana o mundo da arte entrou em polvorosa. Por quê? Especialistas do Museu Van
Gogh anunciaram que, uma das telas do pintor que TODO mundo pensaba que era um
autorretrato, na verdade era o retrato do seu irmão Theo. A pessoa que lhe sustentou e para qual escrevia as famosas cartas.

Dizem que a orelha do cara é muito mais arredondada do que a do artista. Comparando com outros autorretratos. Que a barba é menos vermelha, e está cortada de uma forma diferente daquela que era usual em Van Gogh.

O da esquerda seria Theo, e do lado um autorretrato

Por causa disso o quadro até aumentou de preço?! Isso que apenas estamos falando de
indícios. O Arnaldo Jabor fez uma crônica sobre o tema. Para escutá-la é só dar o play no podcast. Não concordo com tudo que ele expõe, mas é um interessante ponto de vista.

Podcast: Arnaldo Jabor

Em algumas imagens o conceito de neo+classicismo

2011-06-21T12:38:00.000+01:00

Dois minutos e meio para explicar com muitas imagens o conceito de movimento cíclico da arte, para chegar ao Neoclassicismo e ao seu grande expoente francês. Agora me diz o que iso tudo tem a ver com Menudo e Tracy Chapman? TUDO (risos!) ...

Untitled from turomaquia on Vimeo.

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video: artetropia_2011

Para que serve a arte? - Uma obra de Michael Bell-Smith

2011-06-20T11:27:00.000+01:00

Este video montado pelo artista norte-americano Michael Bell-Smith é genial. Se a maioria das pessoas tivesse em mente que a arte necessariamente não foi feita para decorar paredes e sim para fazer as pessoas pensarem a respeito de algo ou de alguém, tenho certeza que os museus de arte contemporânea estariam bem mais cheios.

Para quem nasceu pelos idos dos anos 1970, no video aparecem cenas do filme que para mim é um clássico: "Curtindo a vida adoidado"!

Art Tape: Live With / Think About from Michael Bell-Smith on Vimeo.

Para conhecer mais obras do artista visite seu site oficial, e também seu canal em YouTube e em Vimeo.

O que você faria se ganhasse 100.000 dólares?

2011-06-17T17:56:00.003+01:00

O artista Hans-Peter Feldmann ganhou U$ 100.000, e uma exposição no Guggenheim New York. Por quê?

A cada 2 anos, o museu e a Hugo Boss se juntam para premiar um artista que contribuiu para a arte contemporânea. Nesta ocasião este alemão de quase 70 anos foi o premiado. Agora vem o melhor. Sabe o que ele fez com o money?

Sacou todo o valor do premio em notas de U$ 1,00 e as colocou como se fossem um papel de parede na sala do Guggenheim! Genial! Imagina o impacto visual ao entrar nesta sala. Mas não fica nisso, é uma forma de discutir o conceito de arte, ou seja, o que é arte afinal?! O valor dos prêmios, ou o que é melhor ou pior em termos artísticos.

A obra levou 13 dias para ficar pronta, ufaaaa!

Esta instalação estará no Guggenheim até dia 2 de novembro deste ano. E depois? Bem, o artista vai recolher o dinheiro, porque em tempos de crise não dá para deixar atrás nem 1 mísero U$!!!

Se quiser saber um pouco mais sobre a obra deste artista, dá uma espiada neste video de uma expo que ele fez no Museu Reina Sofia de Madrid. Em espanhol e dura (apenas) 3 minutinhos!

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Imagens: http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/on-view/hugo-boss-prize-
2010
http://coolmarbelous.com/?p=1213#en

Paul Butler - quando uma colagem te arrepia!

2011-06-15T21:36:00.000+01:00

No século 20 é quando as colagens ganham status de obra de arte. Também pudera, os dadaístas e surrealistas fizeram cada coisa louca e maravilhosa com uma tesoura e cola, que ninguém podia ficar indiferente.

Pode parecer algo simples, do tipo que muita gente adora dizer: "isso?! até eu fazia!". Mas fazer algo que não pareça um trabalhinho de artes chinfrim de 4a. série, não é nada, mas nada fácil. Tenta. Pega uma revista, recorta figuras, cores e depois tenta dar um sentido nisto tudo!!!

Um artista canadense (nascido em 1973) de nome Paul Butler consegue dar sentido e emocionar. Trabalha com vazios e com eles insinua e cria volumes. Perceba que ele mistura situações contraditórias em uma mesma imagem, como um espaço natural e uma imagem tão decadente de cidade. Nas imagens que o branco marca a silhueta de pessoas, senti solidão, ausência e tristeza. Agora curta as obras de Paul Butler ao som de Eddie Vedder (som na caixa!):

E você, estas obras te dizem algo??? Não pense muito, uma palavra basta!!!

Neoclassicismo – e lá vem os gregos e romanos again em pleno século 18!

2011-06-14T11:53:00.001+01:00

Como diz a principal canção da Carmina Burana, na vida nem sempre se está em cima, nem sempre se está abaixo. Como na roda da fortuna vamos mudando de posição. Na arte é igual. Afinal, a arte reflete a vida, não é mesmo?!!!

Muitas pessoas estavam cheias de tanta emoção, profusão de detalhes nos quadros e na arquitetura, lembra do barroco e do rococó? Além do que, este tipo de arte estava tão relacionada com a Igreja e os Reis que só por isso as pessoas começaram a rejeitá-la.

Neste período, os filósofos passam a clamar pela queda dos reis tiranos e contra uma ignorância que levava a pessoas a acreditarem em superstições e mitos. O que fazia com que fossem mais facilmente manipuladas por estes mesmos tiranos. Queriam que as pessoas lessem mais, conhecessem mais, ao que se chamou a era da Ilustração. De ilustrar-se, de esclarecer-se.

Se na filosofia se conhece esta época como Ilustração, nas artes visuais este novo estilo se conhecerá como NEOCLASSICISMO. Por quê???

Os artistas vão voltar a olhar os elementos clásicos greco-romanos. Mas não como no Renascimento. Algumas descobertas arqueológicas demonstram que os modelos que os renascentistas tinham copiado como greco-romanos, apenas representavam um momento destas socidedades, quando já estavam meio decadentes. Que o período mais bonito era outro, e que portanto os modelos a seguir eram outros.

Que descobertas foram estas? Os edificios da época de Péricles que estavam em Atenas. Sem contar as mega descobertas de Pompéia e Herculano. Bom, agora você já sabe o porquê das mudanças e do nome, não perca os próximos capítulos neoclássicos desta jornada que eu chamo de Arte365.

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imagens: http://www.wga.hu/index1.html

O que é a tal da arte relacional??? Mais uma coisa de loucos??!!

2011-06-10T14:00:00.003+01:00

A arte sempre foi relacional, relacionava-se com a história, com o gosto de uma época, com os sentimentos do próprio artista, ou quem sabe com os sentimentos da mãe do cara ou da amante. Até aí tudo bem, o louco foi quando a partir dos anos 1990, os artistas começaram a querer interagir com nosso dia-a-dia. Mais do que interagir, romper com este cotidiano.

Neste tipo de arte que recebe o nome relacional, o espectador é tão importante que sem ele, não existe obra de arte. Atua-se em espaços que estimulam ou deveriam estimular relações, e que poderiam ser as múltiplas filas que nos enfrentamos a cada semana, a fila do ônibus, do caixa do supermercado, do banco …

E qual é a diferença deste tipo de arte com uma instalação? O que é uma instalaç4ao? Bem por cima, são obras que você pode entrar, colocar (uma roupa por exemplo).

A arte relacional pode ser bem mais ambiciosa. A instalação sobrevive sem o outro, sem você espectador. Já em situações extremas de arte relacional. Não há nada sem a interação.

Porfa! Não desista de ler, nossa sociedade é tão complexa, que você não podia esperar que a arte produzida agora fosse tão óbvia como em outros momentos da história da humanidade!????

Um artista muito importante nesta onda da arte relacional é Rirkrit Tiravanija. Olha o que o cara bolou em 1998, um projeto chamado “The Land” (A Terra). Comprou um pedaço de terra na Tailândia. Junto com outros artistas e grupos estãoconstruindo uma cidade que pretende ser auto-sustentável. Onde vivem coletivos como doentes de Aids e trabalham universitários da universidade local. Isso é arte??? Qual é???

Para que qualquer coisa funcione bem, deve estar implicada a sensibilidade e um tesão, aí entra a estética e por sua vez a arte. É romper barreiras. Como se diz em español, é arte “a lo bestia”!

Como explicam Andrea Bertoletti e Bourriaud: “A arte nos põe diante da realidade numa relação singular com o mundo e o “artista leva o ‘observador’ a participar de um dispositivo, a lhe dar vida, completar a obra e a participar da elaboração de seu sentido”.

A Andrea e outras 4 artistas se juntaram para criar uma situação de arte relacional dentro de um programa de mestrado da UDESC. Lembra, a coisa é meter-se em situações cotidianas. Elas entraram num ônibus em Floripa. Escutando no MP3 a mesma música, e dançando. Uma em cada parada. Veja a reação das pessoas ( no video editado), que nem sabiam, mas faziam parte de uma experiência artística!!!

Para escrever este texto utilizei como referência o artigo publicado de Andréa Bertoletti (2011): ARTE RELACIONAL E ENSINO DE ARTE: POSSIBILIDADES E DESAFIOS

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Video protagonizado e idealizado pelas artistas. Andréa Bertoletti, Claudia Teresinha Washington, Gleice Cruz da Silva Gomes, Priscila Anversa e Silvia Regina Meyer Teske (2011).

Não dá para perder: "A Dama com Arminho", de Da Vinci em Madri

2011-05-31T10:31:00.000+01:00

Dentro do Arte365 eu fiz um podcast sobre uma obra de Da Vinci, que eu particularmente curto mais que a Monalisa - a "Dama com Arminho". Para quem não escutou, é só clicar aqui. Esta obra está normalmente exposta no Museu Czartoryski ch, em Cracóvia (Polônia). Acontece que o Rei espanhol é amigo da família proprietária do quadro, e conseguiu que o quadro fosse emprestado para a exposição temporária - "Polônia, Tesouros e Coleções Artísticas", que abre dia 03/junho no Palácio Real. Além da dama, outras 194 obras, entre elas telas de Rembrandt e Lucas Cranach formam parte da mostra.

Estou pensando seriamente em ir à capital. Uma oportunidade única de ver a obra de arte mais cara exposta em Polônia e um dos mais belos retratos do mundo. Veja a chegada da obra com tratamento de "chefe de estado"!

A exposição fica aberta até 04/setembro, no Palácio Real de Madrid. De segunda a domingo das 10:00 às 20:00 horas. O ingresso só para a expo custa 10€, para visitar o palácio + a expo = 16€.

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video: http://www.youtube.com/user/bosonloquito2#p/u

Abadia de Melk - barroco ou rococó?!

2011-05-09T16:38:00.002+01:00

A abadia surgiu no século 11. Os monges tinham tanto $, que em 1700 derrubaram os edificios antigos em parte destruídos por um incêndio . O Arquiteto local Jacob Prandtauer foi encarregado do novo projeto. A decoraçao ficou por conta de artistas italianos que viajavam por toda Europa realizando este tipo de obras. Depois de 34 anos de obras, resultado?

Um edificio prá lá de ornamentado, que vai muito além do que se atreveu o barroco em seus inícios, e por isso resolvi encaixá-lo nesta seção rococó. A maioria dos folhetos turísticos que tratam deste monumento que é Patrimônio Mundial da Humanidade, etiquetam o dito como barroco.

A primeira vista o edificio é imponente. Construído na parte mais alta da cidade. Agora a biblioteca e a igreja são um luxo só, digno de escola de samba carioca!

Informação prática:
Site: http://www.stiftmelk.at/italienisch/index.html
Quando ir?
De maio a setembro abre das 09:00 às 17.30 horas
Abril e outubro das 09:00 às 16:30 horas
Nos meses acima a visita pode ser realizada com ou sem guia, mas de novembro a março apenas com guia. Para visitantes sem grupo às 11:00 e às 14:00 horas. Em alemão e inglês.
Quanto custa?
Adultos com visita guiada – 11,50€
Adultos sem visita guiada – 9,50€
Bilhete-família – pais com crianças de até 16 anos: 19€ (sem visita guiada) e 23€ (com visita
guiada)

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Ele também é rococó: Jean-Baptiste Greuze

2011-05-06T18:38:00.001+01:00

Jean-Baptiste Greuze foi um artista francês. Pintou tanto para nobres como para a classe média burguesa. Famoso por seus quadros cheios de histórias com moral e por seus retratos.

Como este que não sabemos ao certo qual é a reação da menina diante do seu pássaro morto. Realizou um montão de retratos de crianças, mas também de adultos, como esta dama. Impressionante o trabalho com o tecido, e a sutileza do seio que se desprende da roupa.

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Imagens: http://www.wga.hu/index1.html e Wikipedia

Há muito mais neste balanço do que você imagina!? - Fragonard

2011-05-05T07:12:00.000+01:00

Aperte e o play e observe atentamente este quadro de Jean-Honoré Fragonard.

podcast: artetropia_2011

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2011-05-04T10:37:00.001+01:00

Na época do barroco e do rococó estavam de moda os quadros que mostravam objetos ou seres já sem vida. Eram quadros com frutas reluzentes, instrumentos musicais, animais mortos, queijos, etc.

As primeiras naturezas-mortas aparecem lá na Roma Antiga. Podemos vê-las nos murais de Pompéia. Naquela época, deveriam ser o mais real possível, para que os mortos pudessem utilizá-las no “outro mundo”.

Depois, não é que desapareçam, mas tiveram um papel secundário e vez ou outra estavam lá no fundo do quadro, ou ao lado do personagem principal. No século 16 voltam a ter protagonismo, tomam todo o quadro.

Diante do temor de novas pestes, da fome, estes quadros mostravam o status quo das famílias. Era uma forma de dizer: Olha só quanta coisa tenho à minha disposição!!!

Sabe quem foi o primeiro pintor a dar este protagonismo aos objetos inanimados??? Caravaggio, com seu quadro “Cesta de Frutas”, de 1597. Atualmente, pode ser visto na Pinacoteca Ambrosiana, em Milão (Itália). Este óleo mede 31 x 47 cm.

Curiosidade: na Espanha, este tipo de pintura leva o nome de “bodegón”.

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Imagens: http://www.wga.hu

Rococó, o que é isso???

2011-05-03T12:36:00.001+01:00

Você já deve ter ouvido alguém comentar que a decoração da casa daquela tia é meio rococó. Ou que aquela mulher que se veste de forma exagerada, e é um tanto quanto rococó. Eu utilizava muito para descrever uma casa cheia de enfeites. São formas de utilizar este término que vem de um estilo artístico do século 18.

Podemos dizer que o rococó é o barroco levado ao extremo? Em certa medida. Mas o rococó vai além, representa o estilo de vida de uma época, na qual se exaltou o lado bom da vida, deixando de lado de certa forma aquele lado melodramático do seu antecessor, o barroco.

Sabe de onde vem esta palavra, rococó? Da palavra francesa “rocaille”. A tradução mais ou menos literal seria “concha” e faz uma referência direta à profusão de formas arrendondadas, floreios e recortes que serão utilizados nesta nova forma de fazer arte, que vai aparecer por aqui nos próximos dias!

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imagens: http://www.wga.hu/index.html

Eduardo Recife - Por um mundo melhor

2011-04-25T09:16:00.001+01:00

Os ilustradores brasileiros ganham o mundo. Um deles é o mineiro Eduardo Recife. Para conhecer seu trabalho visite: http://www.misprintedtype.com/v4/ e para começar esta semana, dois bons conselhos deste artista!

Ilustrações: Eduardo Recife (2008)

Eduardo Recife, ilustradores brasileiros, por um mundo melhor

Os Museus de Arte mais visitados do mundo em 2010

2011-04-19T16:25:00.001+01:00

The Art Newspaper divulgou agora em abril sua lista anual com os muses de arte mais visitados no mundo no ano passado (2010).

Em primeiro lugar, absoluto e bem longe do segundo, está o Louvre. Difícil conseguir alcançá-lo, recebeu quase 3 milhões de visitantes a mais do que o segundo lugar, com a bagatela de 8.500.000 de visitantes.

No segundo lugar, o British Museum, com 5.842.38 visitantes. Os Estados Unidos aparecem no terceiro lugar, com o Metropolitan (NY) e seus 5.26.988 visitantes.

No quarto lugar uma excelente notícia, a arte moderna e contemporânea receberam 5.061.72 de visitantes na Tate Modern, de Londres. E da mesma cidade, o quinto lugar – National Gallery com 4.954.914 visitantes.

Em sexto lugar, a meca da política americana – Washington com sua National Gallery of Art (4.775.114), seguido da quase vizinha New York e seu MOMA (3.131.238). Com o mesmo ambiente do anterior, ou seja, arte moderna na veia, aparece o oitavo lugar – Pompidou (3.130.000). Mínima diferença entre o 7º. e 8º. lugares!

A Ásia aparece no 9° lugar com o National Museum of Korea, de Seul (3.067.909). O décimo lugar volta à Europa e o Museu D`Orsay (2.985.510). Meu queridinho, o Prado (Madrid) cai para o 11º. lugar com 2.732.000 visitantes.

Segue o Victoria and Albert Museum com 2.629.065 visitantes. Caramba outro museu londrino. Seguido do russo – Hermitage (2.490.387). UAU, o Brasil aparece no 14º. lugar com o Centro Cultural Banco do Brasil, do Rio de Janeiro (2.317.772). A sede de Brasília aparece em 32º. lugar, e a de Sampa, em 65º.

No 15º. lugar, a “casa” do Guernica (Picasso), o museu Reina Sofia em Madrid, com 2.313.532 visitantes. De todos estes museus, qual você gostaria de conhecer ou qual é teu favorito?

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Guia Prático do Pompidou
Guia Prático Museu do Louvre

fotos: turomaquia y mauoscar - Fotos da National Gallery of Art, de Washington.

Uma tarde com Alexandre. Qual? Aquele, o Grande! – Exposição Madri

2011-02-06T20:43:00.001Z

Do aeroporto a melhor jogada era ir direto à Plaza de Castilla. Perderia 30 minutos se passase pelo hotel para deixar minha bagagem. Assim de mala e cuia desci na Plaza de Castilla. Nunca tinha estado lá. Um impacto, sair da boca do metrô e dar de cara com aquelas 2 torres inclinadas e o cilindro dourado. O dia ensolarado aumentava o climax da cena com um céu azul de inverno.

Ainda com a boca aberta procurei a entrada do Centro de Exposiciones Arte Canal. Primeiro direção errada, voltei sobre meus próprios passos. Na bilheteria decido que vou ver primeiro o 3D, isso aumenta o preço da entrada mais melhora e muito a presepactiva posterior da exposição.

Sento no “cine” e conheço um andaluz que viveu em Porto Alegre e que esteve na minha Curitiba. Oh! mundo pequeno! Começa o 3D, de entrada já adoro. Sou uma entusiasta destas imagens que parecem saltar da tela. Nem sinto passar aqueles 15 minutinhos.

A saída é por outra porta, chego na entrada da mostra. Deixo minha pequena mala na “consigna”. Já que não se pode fotografar, pego meu bloco de notas para escrever o que sinto já que não posso captar tudo aquilo com imagens.

A exposição está dividada em 10 blocos, e mostra a importância de Alexandre Magno que nasceu em 356 a.C. e morreu com apenas 32 anos de idade.

Entre peças de diferentes museus, reproduções e pequenos filmes de aproximadamente 1 minuto vamos entendendo este visonário que percorreu 23.480 Km para construir uma dos maiores impérios do mundo. Que foi aluno de Aristóteles. Que comandou um exército de 35.000 homens. Que nasceu em Macedônia e que com sua determinação modificou a concepção de mundo. Suas campanhas militares possibilitaram que se desenhasse uma geografia mais real.

A montagem torna a visita amena. Em uma hora se percorrem as 10 salas. Como em toda exposição escolho minhas peças do coração, aquelas que me tiraram o fôlego. Sem dúvida, a primeira foi a que está na publicidade do evento: dois adornos em forma de leão. São de ouro, pequenos mas sabe aquela sensação que poderia estar olhando para eles uma eternidade? Pois bem, fiquei muito tempo parada diante daquele vitrine. Acredita-se que estas peças se costuravam nas roupas para adorná-las. São persas. O engraçado é o contraste entre a cara do bicho que é super realista e a juba que é estilizada, ou seja, geometrizada.

Outra peça que gamei foi um medalhão de ouro com o busto de Atenas. Antes de ler a explicação fiquei pensando para que servia o dito cujo, e na verdade os arqueólogos possuem duas teorias. Uma que se utilizava para tapar frascos cilíndricos ou como uma espécie de rede para segurar o cabelo quando a mulher fazia um coque.

A lojinha é pequena, mas tem de tudo. As crianças vão amar, tem reproduções de espadas, escudos, armaduras, e era relativamente barato. Para quem quer conhecer um pouco mais do Alexandre, vários livros de tudo que é preço. Sem contar as tradicionais canecas, canetas, imãs, catálogos, jóias e bijuterias. Comprei um guia didático sobre a exposição (9€) e uma pulseira com a réplica de uma moeda com o perfil de Alexandre (4,90€). O melhor de tudo? Sai felizona, tudo era tão bonito, o ambiente tão aconchegante, que estava de alma lavada!

Informação prática:
Local: Centro de Exposiciones Arte Canal
Endereço: Paseo de la Castellana, 214
Para chegar: Metrô – Parada: Plaza de Castilla – Linhas: 1,9 e 10.
Ônibus: 5, 27, 42, 49, 66, 67, 70, 80, 107, 124, 129, 134, 135, 147, 149, 173, 174, 176 e 178

Até quando? 3 de maio de 2011

Horários: 10:00 às 21:00 horas. A última sessão do video 3D começas às 19:40 horas.

Tarifas: 6€ (exposição + 3D)
Reduzida: 4€
Só exposição: 3€
Reduzida: 2€
Reduzida para: maiores de 65 anos; estudantes.
Gratuita: menores de 6 anos e pessoas com alguma necessidade especial

Serviços: guarda-volumes, audio-guia em espanhol e inglês (3,50€), lojinha ao final da
exposição.

Site: http://www.alejandro-magno.es/

Fotos e imagens: artetropia_2011 y http://www.alejandro-magno.es/

Os anjos de Murillo – produto nacional español!

2011-01-17T19:49:00.000Z

Todo mundo adora os anjos de Rafael. Eu também! Agora devo fazer alusão ao produto nacional espanhol (risos!) Murillo (1617 – 1682) foi um pintor barroco espanhol brilhante. Só não teve maior projeção porque teve a (in)felicidade de ser contemporâneo ao gênio de Velázquez. O que torna tudo mais difícil.

O Museu do Prado possui diversas telas do também sevilhano (como Velázquez). Numa segunda ida ao museu, o que você acha de colocá-lo como objetivo principal da visita? Tomada a decisão, se detenha mais tempo nas telas em que aparecem os anjos de Bartolomé Esteban Murillo.

Vou dar um aperitivo, para atiçar as “lombrigas” estéticas!!!

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Las Meninas de Velázquez – a melhor obra de todos os tempos!

Imagens: http://www.museodelprado.es

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Novo Museu Dalí na Florida

2011-01-14T15:25:00.001Z

Nos idos de 1997 fiz uma viagem à Flórida sozinha. Queria muito conhecer o Mickey e nenhum amigo, namorado ou coisa do gênero estava livre na época. Resolvi que ia assim mesmo. Aluguei um carro, porque nesta parte da terra do Tio Sam, sem carro não se chega a nenhum lugar. Rodei 2.200 milhas em 15 dias.

Depois de uns dias no mundo da fantasia queria algo diferente. Comecei a dirigir para o lado de lá da península. Ia em direção ao Golfo do México. Peguei umas destas revistinhas de descontos que estão por todos os lados, e li: Visite o Museu Dalí, em St. Petersburg. Dalí na Florida? Meio descrente e pensando que seria uma roubada dirigi pela parte mais rica e cara da região até dar com o museu.

Logo de entrada fico atônita, pela primeira vez estava frente-a-frente com a série de quadros gigantescos do Dalí. A baba não parou de cair. Diante de mim, estavam algumas das obras-primas do catalão. Continuava no mundo da fantasia, desta vez mergulhando num sonho surreal.

E por quê estou contando tudo isso agora? Porque este museu ganhou um novo edifício e a inauguração foi nesta semana, dia 11 de janeiro. O prédio é um luxo, uma arquitetura mais condizente com as obras que alberga. Um sonho dentro dentro de outro sonho.

Toda a obra custou 36 milhões de dólares. Só o transporte do acervo do antigo ao novo, a bagatela de U$ 30.000, sem contar o seguro! O acervo está avaliado entre 500 e 700 milhões de dólares!

Na próxima semana tem Guia Prático do Museu e opções de escapada desde Orlando lá no Turomaquia!

O site do museu: http://www.salvadordalimuseum.org

Imagens: http://www.tampabay.com/specials/2011/reports/salvador-dali-museum-st-petersburg/ e http://www.e-architect.co.uk/america/dali_museum_florida.htm

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Handel - o barroco que arrepia até o ultimo fio de cabelo!

2011-01-13T21:11:00.001Z

Georg Friedrich Handel é considerado um compositor barroco. Nasceu em 1685 numa cidade alemã chamada Halle. Em 2009, quando se comemoraram os 250 anos de sua morte, a casa onde nasceu foi reaberta ao público. A cidade que está ao lado de Leipzig e a 173 km de Berlim acolhe todos os meses de junho o Festival Handel.

Naquela época barroca, Halle era um importante centro musical. Formava com Leipzig um dueto dos mais “in”. Por lá esteve Friedermann Bach, filho mais velho de Johann Sebastian Bach, que foi professor de Handel!

Acontece que Handel depois viveu na Itália e um montão de tempo na Inglaterra, tanto que se naturalizou inglês. A casa que ele viveu de 1723 até sua morte em 1759 pode ser visitada em Londres, é a Casa Museu Handel.

O cara além de ser um mega compositor, entendia o “mercado”. Quando ele percebeu que as óperas estavam saindo de moda, inventou uma nova forma musical: o oratório. Que é uma grande cantata, lembra que já falamos dela? O mais famoso oratório de Handel é o Messias.

Para completar o circuito Handel só falta visitar sua linda tumba na Abadia de Westminster, em Londres, do ladinho do Parlamento e do famoso Big Ben.

Para se divertir, clique aqui e faça o download do rosto desenhado de Handel para que os menores da casa possam colorir. Aproveite, e clique aqui para mostrar o mapa da Europa na época do compositor, e mostrar como ele viajava pra caramba! Assistam juntos este video de 2 minutinhos, que mostra uma pequena parte da “Música para os Reais Fogos de Artifício”!

Para os adolescentes e adultos, indico o filme Farinelli. É forte, mas gera discussões apaixonadas. O Handel está presente em todo o filme. Para saber mais dá uma lida nestes posts:
O barroco dos castrati
O que tem a ver a mezzo soprano Cecilia Bartoli com os castrati?
Farinelli: um filme para emocionar

Para saber mais de Halle, clique aqui.

Imagens:
http://www.theepochtimes.com/n2/content/view/17335/
http://www.supercoloring.com/pages/george-handel/
http://www.historyonmaps.com/BWSamples/Handel.html
http://www.ronfreemanchorale.org/OtherConcerts.html
http://www.inforviajes.com/la-abadia-de-westminster-westminster-abbey-visitas-horarios-y-precios/
User:Iqmanuelnavarro – Wikipedia
Photo: Andreas Praefcke - Wikipedia

video: http://www.youtube.com/user/carminum

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Entrando no quadro "Las Meninas" de Velázquez

2011-01-10T13:12:00.002Z

Quanto tempo, hein?! Voltando com força total neste 2011, e espero ter novidades em poucas semanas! O último post da série arte365 foi sobre uma das grandes obra-primas de todos os tempos - Las Meninas, de Velázquez. Neste curta metragem um texto de fundo nos dá algumas razões para fazer arte, e de repente entramos no quadro do sevilhano e uma de suas releituras mais famosas aparece diante de nós, aquela realizada por Pablo Picasso, e que se encontra no Museu Picasso Barcelona.

Posts relacionados:
Las Meninas de Velázquez – a melhor obra de todos os tempos!
Museu Picasso barcelona – Guia Prático (F.A.Q.)

Video de: www.deliriumstudios.com descoberto em http://www.youtube.com/user/sdmasca

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Feliz Natal - Feliz Nochebuena a todos os leitores de Artetropia

2010-12-24T10:26:00.001Z

foto: turomaquia_2010
montagem realizada com o software de Fotoprix

Las Meninas de Velázquez - a melhor obra de todos os tempos!

2010-12-15T07:36:00.000Z

Aperte e o play e observe atentamente este quadro do espanhol - Diego Velázquez.

Leia também:
A relação de Goya e Velázquez através das gravuras!

imagem: Museo Nacional del Prado
podcast: artetropia_2010
pintura barroca, Las Meninas, Diego Velázquez, Museu del Prado, O que ver em Madri, melhor obra de arte de todos os tempos, barroco espanhol

Georg Baselitz: um dos top de vendas da arte contemporânea em Sampa

2010-12-14T08:13:00.001Z

A Pinacoteca oferece até o dia 30 de janeiro de 2011, a primeira grande exposição individual na América do Sul do alemão Georg Baselitz. Uma oportunidade de ver a obra deste pintor rebelde, que é de excelente qualidade, além do que o cara é um dos top de vendas da arte contemporânea.

Hans-Georg Kern nasceu em 23 de janeiro de 1938 na cidade de Deutschbaselitz, da qual vai retirar seu nome artístico Georg Baselitz. O menino já pintava aos 14 anos de idade. Começou seus estudos de pintura na Escola Superior de Belas Artes de Berlim Leste. Foi expulso por falta de maturidade socio-política!? Um ano depois, conseguiu entrar na escola de Berlim Oeste.

Estudou as teorias de Kandinsky e Malevich. A influência dos dois teórico-artistas é evidente em suas obras. Sobretudo no uso quase abusivo da cor, que lhe fez ganhar a etiqueta de neo-expressionista. Na minha opinião correta em partes, porque ele vai além do uso da cor como forma de expressão. É só pensar nas suas figuras invertidas, na ousadia de pendurar os quadros ao revés. Você já não pensou que o mundo estava de cabeça para baixo?!! Pois é, a arte é um reflexo da sociedade. Apesar de que Baselitz nega esta vertente (risos):

“O artista não é responsável diante de ninguém. Seu papel é a-social. Sua única responsabilidade consiste em uma atitude com o trabalho que produz”.

“Minhas composições ao revés foram em realidade o resultado de um longo processo para tentar subverter a ordem normal dos pintores. No fim das contas, a provocação é a norma geral da história da pintura”.

Sempre foi polêmico. Nos anos de 1960 teve obras confiscadas pela Promotoria Pública. O quadro onde um menino aparece se masturbando e outro com um homem nú. Mas nada de julgamentos precipitados, sua vida pessoal sempre foi bem certinha, casado com filhos e tal.

Participou da 13ª. Bienal de São Paulo, mas nunca se pode ver tantos quadros reunidos em uma mostra como a que está na Pinacoteca agora mesmo! Por isso se você mora ou vai passar por Sampa, não deixe de ver esta exposição. É a Pinacoteca nos brindando uma vez com uma oportunidade única!

Este video é em alemão. Abstraia deste detalhe (risos), e veja que interessante o ateliê do artista, a roupa que veste para trabalhar, a forma que executa seus quadros!

Informação prática:
Pinacoteca de São Paulo
Praça da Luz, 02 - Luz - Tel. 11 3324-1000
Terça a domingo das 10h às 17h30 com permanência até as 18h
Ingresso combinado (Pinacoteca e Estação Pinacoteca): R$ 6,00 e R$ 3,00
Grátis aos sábados.
Estudantes com carteirinha pagam meia entrada.
Crianças com até 10 anos e idosos maiores de 60 anos não pagam.
Site: http://www.pinacoteca.org.br
Antes de visitar, escute o podcast do curador da mostra:
http://www.pinacoteca.org.br/pinacoteca/default.aspx?c=exposicoes&idexp=342&mn=100

Site Oficial Georg Baselitz: http://www.georgbaselitz.com/

fotos: Google Imagens e Wikipedia
video: http://www.youtube.com/user/WeltOnlineTV

Georg Baselitz, Pinacoteca de São Paulo, O que ver em São Paulo, neo-expressionismo, artista contemporâneo

O barroco está de moda

2010-12-13T18:48:00.000Z

A arte é legal para:

relaxar
divertir
emocionar
aprender
e a parte mais prática: INSPIRAR!

NO que toca a inspiração, podemos dizer que o barroco está de moda. Os estilistas olham bem prá trás e propõe coleções exageradas, com tecidos que lembram aqueles utilizados por reis, rainhas e cavaleiros. A Revista Womad de dezembro mostra estas novas tendências no editorial: Nuevo Barroco. A modelo é a Laura Pontes, top espanhola que já foi casada com a "nobreza".

Editorial: Womad (España) - Dezembro-2010

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Barroco, releitura do barroco na moda, Nuevo Barroco, Revista Womad España, Influências do Barroco

Que raios é uma cantata?

2010-12-02T21:27:00.001Z

No século 17 inventaram uma forma musical que consistia em um solista que cantava acompanhado de instrumentos. No início, os textos cantados não tinham nada que ver com religião. Esta nova forma musical recebeu o nome de ...

Só que a coisa não ficou por aí. Com o tempo aumentaram para 2 ou 3 cantores, e começaram a cantar episódios ou textos bíblicos. Eram cantatas especialmente escritas para as igrejas. Para aumentar a espetacularidade do ato, lembre que estamos no barroco, que nada era simples, colocaram um coro. Os textos ficaram mais complexos, eram verdadeiras tramas com arias (onde o solista destacava), coro, partes só musicadas. Você deve estar pensando, converteram-se em óperas. Na-ni-não. Porque não utilizavam cenários e vestuários especiais, e tampouco incorporaram o balé ou a dança.

O “papa” da cantata religiosa foi Bach (1685-1750). A hiper ultra famosa canção de Bach - “Jesus, alegria dos homens” forma parte da Cantata 147 , intitulada: “O Coração, a palavra, os atos, a vida”. Para conhecer todas as cantatas e seus significados, visite o site: Cantatas de Bach.

Por aqui fique com uma versão de uma soprano norueguesa de voz espetacular: Sissel Kyrkjebø. Muito legal, curtir o Baden Powell tocando “Jesus. Alegria dos homens”. Só que no video ele diz que é da cantata 141, mas é da 147!!! Ou se preferirem, cliquem aqui, e escutem um coro tradional interpretado a Bach.

Leia também:
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Farinelli: um filme para emocionar
E no barroco, se fez a ópera

video: http://www.youtube.com/user/huntermm1602
A:T:: Queria colocar o video do Baden, mas estava desativado o modo de inserção. Para vê-lo clique no nome do músico no texto.

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Rubens no Museu do Prado - Madri

2010-12-01T09:39:00.002Z

Começamos a semana com Rubens. E é dele uma das grandes exposições temporárias da temporada outono-inverno no Museu do Prado. Este museu possui uma das maiores coleções de Rubens do mundo, e até janeiro o visitante terá a oportunidade de ver as 90 obras uma ao lado da outra, num estilo despretencioso e interessante de montagem. O único critério utilizado na hora de pendurar as obras foi a cronologia. Podíamos dizer que é uma exposição “vintage”, um estilo antigo de expor as obras ao público. Imagina que delícia ver tantos Rubens juntos, ver a evolução, os temas que este artista enfrentou ao longo da sua vida?!

Acompanha a exposição, o documentário: “Rubens, o espetáculo da vida”. Além de ser vendido na loja do museu, pode ser visto na exposição, aos sábados às 12:00 horas e aos domingos às 17:00 horas. Vale a pena assistir esta espécie de trailer que eu coloquei aqui para vocês.

A exposição fica aberta até 23 de janeiro. Para maiores informações, visite: http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/rubens/

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video: http://www.youtube.com/user/museodelprado
imagens: http://www.museodelprado.es e http://www.wga.hu/index1.html

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Rubens: muito mais do que o pintor das mulheres voluptuosas

2010-11-30T19:04:00.002Z

O pintor flamenco mais famoso foi sem dúvida: Peter Paul Rubens. Em vida alcançou fama e fortuna. Chegou a ser tão influente, que trabalhou como diplomata para as cortes européias e realizou amplos trabalhos artísticos para vários reis.

Produziu mais ou menos 3.000 obras, como? Para a época viveu bastante, até os 63 anos de idade (1577-1640), e seu ateliê era enorme. Nele trabalhavam pintores especializados, por exemplo, em pintar mãos, frutas, cavalos, ou até mais especializados, em pintar a crina do cavalo. Desta forma, conseguia produzir mais e mais rápido! O mestre começava e terminava as pinturas, o “recheio” era coisa de seus empregados–discípulos.

A maioria das pessoas identifica os quadros de Rubens por suas mulheres voluptuosas. Na época este “volume” era sinal de riqueza e status social. Não importa que para nossos padrões atuais estas mulheres estejam um pouco gordinhas, as mulheres de Rubens fazem o jogo do esconde-mostra e exalam sensualidade.

Outras duas características do pintor são: o uso da cor e do movimento. Usa cores vivas. Lembra de Rembrandt? As cores eram cálidas mas em tons mais apagados. Aqui o vermelho é vermelho-sangue! Influência dos pintores italianos, principalmente dos venezianos.

Hoje muita gente passa os olhos pelos quadros de Rubens e pensa: está visto, nada de mais. Porque claro existe o cinema, estamos acostumados com efeitos especiais do outro mundo. Agora tente imaginar no século 17 que uma pessoa visse uma obra como esta da mitologia grega de Hero e Leandro, o que pensaria? Imagine a capacidade inventiva de um artista para desenhar este tremendo movimento? Aqui se soma a dificuldade técnica de plasmar este movimento na tela, como se usa a perspectiva? Ou seja como se passa ao espectador a ilusão do volume, criando posições quase impossíveis de serem transpassadas à tela!???

Conhece a história deste quadro? Hero era uma sacerdotisa que vivia em Europa. Leandro seu amor vivia na Ásia. Separando suas cidades, havia um estreito, que todas as noites Leandro cruzava para ver sua amada. Numa noite de mar rebelde, ele se desequilibrou e caiu. Seu corpo sem vida foi arrastado até Hero. Triste, a sacersotisa se matou, atirando-se de uma torre. No canto direito da pintura se vê Hero desesperada, e ao centro, Leandro já desfalecido. As mulheres são como as ondas que levam Leandro até os braços de Hero.

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Imagens: http://www.wga.hu/index1.html

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Vermeer e Dali - entre elas uma "Rendeira"

2010-11-18T08:00:00.000Z

Dali era louco por Vermeer. Para ele, a tela “A Rendeira” era tão genial como a Capela Sistina, de Miguelangelo. Esta tela de Vermeer esteve presente na produção cinematográfica de Dalí. No filme surrealista de 1929 – “El Perro Andaluz”, onde a imagem aparece em um livro. Bem como em L’Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros, produção inacabada de 1954. Neste video,em uma espécie de performance, Dalí “apunhala” uma reprodução gigante da “Rendeira”.

Neste trecho da entrevista que Dalí (de 1 minutinho!)concedeu à Paloma Chamorro, nos anos 1980. Deixa claro que adorava VeláVermeer, Rafael Sanzio e Mozart. Sem contar que não se considerava bom pintor, porque era inteligente demais para isso?!!!

A “Rendeira” é um quadro do barroco holandês, de 1664. De um artista tão misterioso, que é conhecido como o “Enigma de Delft”, já que pouco se sabe de sua vida.

Para vê-la ao vivo e a cores, visite o Museu do Louvre (Paris). Ela mede 24x21 cm, pintada com a técnica do óleo sobre tela.

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Videos: http://www.youtube.com/user/88budcar e http://www.youtube.com/user/jesuszafra
Imagens: http://www.wga.hu/index1.html

Vermeer, Dali, pintura barroca, Entrevista de Dali, A Rendeira, Barroco

Vermeer e seu elogio às mulheres

2010-11-17T17:00:00.002Z

Um crítico de arte afirmou sobre Vermeer: “Nenhum pintor holandês homenageou tanto à mulher”. Por quê? A maioria de seus quadros mostram mulheres em cenas domésticas cotidianas. Talvez porque sempre viveu cercado por elas. Em 1660, ele e a esposa viviam na casa da sogra e com 5 filhas! Em algumas telas a impressão que dá é que a mulher retratada está grávida. Talvez pelo fato que sua mulher deu a luz a quinze filhos em 20 anos!???

O certo é que ele pinta com delicadeza e com encanto cenas tão banais como verter o leite ou escrever uma carta. Parece revelar a importância de cada ato. Deixando de lado a filosofia, como La Tour, ele estava preocupado com a luz. Enquanto os outros pintores barrocos usavam cores mais escuras, ele utilizou uma paleta muito mais viva. Trabalhou o brilho e o contraste como nenhum outro. Ele usava uma técnica que muitos anos mais tarde se chamaria “pontilhismo”. Com pontos de tinta dava forma aos personagens e objetos, não usava linhas. É só prestar atenção à jarra da mulher que verte leite, podemos facilmente perceber estas manchas de luz.

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Imagens: http://www.wga.hu/index1.html

Vermeer, Pintura Barroca, Barroco, A Leiteira

Jardins Impressionistas em Madrid

2010-11-17T07:27:00.000Z

O Museu Thyssen e a Fundación Caja Madrid se unem para produzir uma nova exposição temporária, desta vez sugestivamente intitulada “Jardins Impressionistas”. A partir do tema dos jardins se faz um passeio pela arte desde o século 19 ao comecinho do 20. Desde aqueles românticos que elevaram o jardim a um personagem até as primeiras vanguardas onde o jardim é um meio para pintar a luz ou provar com a cor.

Eu ainda não fui, abriu na terça-feira e fica até 13 de fevereiro. Tem “boa pinta”. A exposição se divide em quatro âmbitos. Na primeira sala estão aqueles que começaram a pintar os jardins, Delacroix, Corot. Depois se pensa o jardim em três funções:

como espaço de socialização, e daí imagine uma pintura de Berthe Morisot, onde duas mulheres conversam na sombra de uma árvore.

Como lugar decorativo, e dá-lhe aqueles espaços multi-coloridos de Monet.

E por último como lugar produtivo, então é a vez de Bonnard, com uma tela onde crianças recolhem frutos.

Esta primeira parte está no Museu Thyssen. As pinturas dos pós-impressionistas e das primeiras vanguardas estão na Fundação Caja Madrid. Com Ernst, Klimt e uma tela do Sorolla, linda de doer!

Informações práticas:

Tarifas:
Museu Thyssen
Coleção + Jardins Impressionistas = 13€
Jardins Impressionistas = 8€
Compre pela Internet que sai mais barato, e você garante o horário e o dia da visita. Nestas exposições a afluência dos visitantes é controlada. Portanto, na entrada consta o dia e o horário em que você poderá aceder a esta parte do museu.

Fundación caja Madrid – Gratuita

Horários em ambos museus:
De terça a domingo das 10:00 às 19:00 horas

Oferecem serviço de audio-guia em espanhol, francês e inglês, costuma costar 3€.

Site Museu Thyssen: http://www.museothyssen.org

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Georges La Tour e suas Madalenas

2010-11-16T08:08:00.000Z

Georges La Tour era um apaixonado pela luz. Teria viajado à Itália e conhecido às obras de Caravaggio. Suas obras são tão realistas quanto às do italiano e também utilizam uma luz indireta. Em Caravaggio a luz vem de um foco impreciso, as vezes de uma janela que não se vê, mas em La Tour a luz vem de um objeto que está no quadro: de uma ou várias velas.

Esta luz torna o quadro tão acolhedor, quem nunca sonhou à luz de velas? E ao mesmo tempo aumenta a espiritualidade dos temas religiosos, como é o caso desta obra “Maria Madalena Penitente”. Seus estudos da luz são evidentes, ao ver como repete o tema e muda sutilmente a iluminação e o espaço.

Estas obras se encontram pela ordem que aparecem nos seguintes museus: Metropolitan de New York, Los Angeles County Museum of Art, e Louvre (Paris).

Neste video, o autor cria uma animação em 3D desta obra, aproximando e distanciando Maria Madalena do espelho. Em qual das três versões se basea o video?!!

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imagens: http://www.wga.hu/index1.html
video: http://www.youtube.com/user/Alicia7777777

Georges La Tour, Barroco Francês, Maria Madalena Penitente

O pintor "a luz de velas" - Georges La Tour

2010-11-15T19:45:00.001Z

Aperte o play deste novo podcast artetropia e encare a obra abaixo ...

Esta obra mede 76x91 cm, está no Museu de Belas Artes, de Rennes (França). Georges La Tour (1593-1652) é um representante do barroco francês.

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Pintura Barroca, Georges La Tour, Barroco Francês, Museu de Belas Artes de Rennes, Novo Nascimento, pintor que utilizava a luz de velas

Rembrandt e os autorretratos: narcisismo ou afirmação?!

2010-11-12T16:12:00.003Z

Rembrandt realizou mais de 80 autorretratos. Este fato é bastante relevante. Porque nos mostra que o papel do artista ganhava status dentro da sociedade. Se até então se considerava o pintor como um artesão mais, desde o Renascimento a profissão pouco a pouco ganhava maiores dimensões e importância.

Muitas vezes era através dos auto-retratos que os artistas podiam “experimentar”. Provar técnicas, misturas de cores e composições. Algo que muitas vezes era impossível nas obras encomendadas. E no caso de Rembrandt, “mergulhando” em seus autorretratos , entramos de cabeça em seu particular álbum de “fotografias”. Um registro que nos dá pistas de como ele se sentia em cada fase de sua vida.

Neste video de um minuto, mergulha comigo nesta seleção de autorretratos de Rembrandt! Escutando outro artista barroco - Bach!

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Rembrandt, Autorretrato, barroco, pintura barroca, Bach, Autorretratos de Rembrandt, porque pintar autorretratos

Rembrandt e a revolução dos retratos

2010-11-11T10:09:00.001Z

Rembrandt (1606-1669) foi um revolucionário dos retratos. Antes dele, quando os burgueses encomendavam um retrato de grupo, o resultado era bem parecido com as fotos de padrinhos dos casamentos atuais. Todo mundo posadinho, olhando para o pintor. Rembrandt foi além, colocava aos retratados no seu habitat natural, e nada de posar. Ele tirava uma espécie de fotografia de um momento. Isso muito antes de se inventar a fotografia e o próprio conceito da instantânea.

Um exemplo, é o retrato do médico local Dr. Tulp e de outros cirurgiãos, conhecido com o título: “A lição de anatomia do Doutor Tulp”. Ele mostra ao Dr. Tulp no seu “metier”, realizando uma demonstração de como funcionavam os tendões do braço. Apenas dois de todos os asistentes parecem olhar diretamente ao espectador ou ao pintor.

Outra inovação foi a forma que ele compôs a cena. Nada de centralizar aos retratados. O grupo se encontra mais ao lado esquerdo. No canto direito em primeiro plano, o libro. O cadáver projeta uma linha diagonal. Os personagens estão dispostos de tal maneira que dão dinamismo à cena. Não parece que a qualquer momento, eles vão falar e continuar a dissecação?

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O Bernini Arquiteto no Vaticano

imagens: www.wga.hu

O Bernini Arquiteto no Vaticano

2010-11-10T14:31:00.001Z

O barroco deve muito à criatividade de Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680). Não só o barroco, mas também o Vaticano. A Basílica de São Pedro é o que é, em parte graças a este arquiteto-escultor-pintor que passou muitos anos remodelando a Santa Igreja.

De cara quando você se aproxima da Basílica de São Pedro é “abraçado” por umas colunas que envolvem a praça. Esta dupla colunata foi desenhada pelo Bernini. Agora imagine que você já passou pelos seguranças e está entrando na Basílica. Colocou o pé e vê uma construção gigantesca no meio da igreja, bem embaixo da cúpula de Miguelangelo. É o Baldaquino, que é o altar onde o Papa reza a Missa do Galo.

Esta obra também é do Bernini. Uma estrutura de bronze, construída entre 1624 e 1633. Está em cima do túmulo de São Pedro, o fundador da Igreja Católica. É um pouco mais alto que um edifício de 10 andares! Toda a estrutura se sustenta por 4 colunas. Desde a Antiguidade, não se utilizavam estas colunas todas enfeitadas. Bernini para atingir toda a dramaticidade que a Igreja exigia naquele momento, “customizou” o estilo e incorporou uma caracteríctica à arquietetura barroca: a utilização das colunas salomônicas. Elas são retorcidas, o que dá movimento. E decoradas com folhas de parreiras, uvas e até abelhas! Cada coluna tem 14 metros de altura! O baldaquino demonstra a supremacia da igreja e do catolicismo sobre todas as outras formas de cristianismo que surgiam naquela época, como o Protestantismo!

Bernini também é o responsável pela cenificação da simplezinha cadeira de São Pedro, a “Cathedra Petri”. Envolveu a cadeira em um bando de nuvens e anjos dourados dignos dos grandes espetáculos da ópera. Nesta época se inventou a ópera, agora a Igreja necessitava utilizar mais recursos visuais para impressionar os fiéis!!!

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fotos: turomaquia_2004_2008 e
http://nossoserido.blogspot.com/2009/06/colunata-da-praca-de-sao-pedro-em.html
http://www.vigoenfotos.com/roma/bernini_baldaquino_vaticano_1.html
http://www.bugbog.com/gallery/rome_pictures/rome_pictures_26.html

Barroco, Gianlorenzo Bernini, Vaticano, Baldaquino de São pedro, Cathedra Petri, Colunata de Bernini, Basílica de São Pedro, arquitetura barroca

A obra-prima de Caravaggio

2010-11-09T14:06:00.002Z

Observe esta obra de Caravaggio, que por sinal é enorme, enquanto escuta outro podcast Artetropia.

O quadro mede 3,5 metros por 3,25! Está na Capela Contarelli, na Igreja de São Luis dos Franceses, em Roma. Para ver um video da Capela, clique aqui.

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Imagens: http://www.wga.hu/index1.html e a segunda é de autor desconhecido, foi retirada da Wikipedia.

Barroco, Caravaggio, Vocação de São Mateus, arte barroca, pintura barroco, barroco italiano, Capela Contarelli

E no barroco, se fez a ópera!

2010-10-28T16:42:00.001+01:00

A ópera é uma obra de arte completa. Tem música, texto literário, artes visuais, dança e teatro. No finalzinho do século 16, lá na Itália tiveram a idéia de reunir todas estas formas de expressão artística no finalzinho do século16, Na Itália. Por quê? Para tentar reavivar as tragédias gregas.

Claudio Monteverdi

Todo mundo considera o compositor italiano Claudio Monteverdi como o fundador deste novo estilo. Mas dizem as más línguas que teria sido Jacopo Peri, quem teria em 1597 criado a primeira ópera. Levava o nome de “Peri”, mas infelizmente se perdeu!

Polêmicas à parte, “Orfeu”, a primeira ópera de Monteverdi é a que marca uma nova era, tanto que foi criada em 1607 e até hoje é representada em todo mundo! Veja e escute a abertura desta ópera, são apenas 2 minutinhos. Só a entrada triunfal do regente (maestro) já vale a pena!!!

Os principais compositores barrocos de ópera foram: Monteverdi, Handel, Lully, Vivaldi e Rameau.

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video: http://www.youtube.com/user/Musicamisteri

História da ópera, Claudio Monteverdi, Ópera, Orfeu, Música Barroca, Barroco

Caravaggio: o pintor maldito

2010-10-27T13:05:00.002+01:00

Um dos mais importantes pintores barrocos, é sem dúvida Caravaggio. Ele viveu uma vida intensa, sempre estava metido em problemas, e claro nestas circunstâncias morreu cedo, aos 38 anos de idade. Criei um video de 2 minutos para que vocês conheçam grande parte de suas obras, junto com algumas de suas características mais importantes. De fundo escolhi uma música de um dos grandes compositores brasileiros. Acredito que a canção tem a ver com a vida e a obra deste gênio italiano, e vocês o que acham??

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video: artetropia_2010

Caravaggio, barroco, pintor barroco, barroco italiano, tenebrismo, obras de Caravaggio

Farinelli: um filme para emocionar

2010-10-26T08:00:00.001+01:00

Quando alguém diz que não gosta de museu, de arte e coisas do gênero. Eu sempre penso, é porque você não foi ao museu com a pessoa certa, ou que a pessoa apenas precisa de umas poucas “ferramentas” para começar a desfrutar como louca de tudo que seja arte!

Estas não são meras especulações. Fiz uma experiência nos idos de 2000. Queria que meus alunos do Ensino Médio escutassem ópera, aprendessem um pouco sobre música barroca, incluindo Handel e para isso utilizei o filme Farinelli. Como eu só tinha uma aula por semana, dividei o filme em capítulos de mais ou menos 10 minutos. A criançada adorou, ficava louca para saber o que ia acontecer, e como é um filme considerado de arte, só tinha em uma locadora de Curitiba, e eu aluguei durante todo o tempo que passei o filme, assim ninguém podia estragar o suspense.

O filme que ganhou o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro e concorreu ao Oscar na mesma categoria, conta a história do castrato mais famoso de todos os tempos, e leva seu apelido de título: Farinelli. Ele nasceu como Carlo Broschi (1705-1782) em Puglia (sul da Itália). Seus mestres foram seu irmão e compositor Ricardo Broschi e Nicola Porpora. Ele foi hiper ultra famoso, as mulheres o adoravam, era como o pop star da época. Cantou por toda Europa.

O que se conta no filme é parte de sua vida e seu provável encontro com o compositor Handel. O Farinelli era um gigante vocal, podia sustentar por um tempo absurdo uma nota musical e chegava a alcançar 3.4 oitavas. Para tentar reproduir esta voz, os produtores do filme misturaram duas vozes: de uma cantora mezza soprano e uma voz rara masculina, contratenor. Dizem que os ouvidos mais apurados conseguem escutar as duas vozes. Eu nem me esforçando muito e entrando em estado zen.

Na pintura em posição de destaque seria Farinelli e o cartaz do filme

Eu assisti o filme como umas 30 x, mas sempre que escutava “Son qual nave ch´agitata” enchia meu coração de alegria. E a mais tocante sem sombra de dúvidas é “Lascia ch´io pianga”.

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Música Barroca, Farinelli, Opera, Son qual nave ch´agitata, Lascia ch´io pianga

Renoir no Museu do Prado: Temporada Outono-Inverno 2010/2011

2010-10-22T17:51:00.001+01:00

Os hiper-mega-blaster museus mundiais mantém uma agenda de exposições temporais anual, que podem ser tão interessantes como suas coleções permanentes. O Museu do Prado, em Madrid é um destes casos. Dentro da temporada outono-inverno 2010/2011 (é desta forma que os museus chamam suas agendas) nesta semana se inaugurou a exposição: Paixão por Renoir. São 31 obras da Coleção dos americanos Sterling e Francine Clark que permanecem na cidade até 6 de fevereiro do próximo ano.

O destaque é para as primeiras etapas deste impressionista. Estas obras foram divididas em seis salas e temas: retratos, figuras femininas, paisagem, naturezas mortas, nús e obras mais tardias.

Dois autorretratos, um de 1875 e o outro de 1899

As expos temporais valem a pena principalmente porque são oportunidades únicas e a montagem costuma ser linda e maravilhosa. Os curadores (pessoa responsável pela concepção da montagem) capricham. Pintam paredes, mostram relações entre obras e também entre pintores, e a lojinha cria toda uma série de produtos especiais e irresistíveis.

Diga se este por-do-sol não está para fazer sonhar ... (e isto que esta reprodução não está grandes coisas snif snif)

Para saber tudo desta expo do Renoir, é só entrar no site do Prado, ou clicar aqui. Lá você pode assistir a um video com o curador, ver todas as obras expostas acompanhadas por um pequeno comentário, e as atividades especialmente criadas para esta expo.

Até cebolas e alhos são fotogênicos quando retratados por Renoir

Uma das atividades é: “Claves para ver la exposición”. Nas terças e quintas-feiras, às 11:00 horas, um especialista fala um pouco sobre o artista e as obras expostas. Acontece na sala de conferências. Eu já assisti em várias ocasiões, e costuma ser uma delícia. Mas como é grátis, chegue uns 20 minutos antes de começar e fique na porta da sala, o museu não aceita reservas.

Para os super jovens de 15 a 25 anos, toda sexta-feira das 20:30 às 22:30 horas o museu abre só para vocês, e ainda por cima, a entrada é gratuita. Durante a expo de Renoir, jovens formados em história da arte vão estar à disposição dos jovens visitantes para fazer comentários e tirar dúvidas.

"Ponte de Chatou" (1875)

Para visitar a exposição é necessário comprar uma entrada especial. O número de visitantes é controlado. Por isso, as entradas são para um dia e horário determinados. Evite os fins de semana, estas expos costumam ser muito visitadas. A entrada dá direito a visitar a coleção permanente do Prado, e é 1€ mais barata quando adquirida via Internet (7€).

"Banhista de pé" (1885)

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imagens: Museo del Prado

Museu do Prado, Renoir, Pasión por Renoir, O que ver em Madri, Exposições 2010 Espanha

O que tem a ver a mezzo soprano Cecilia Bartoli com os castrati?

2010-10-21T08:00:00.000+01:00

Em 2009, a mega poderosa cantora lírica Cecília Bartoli lançou um disco chamado: Sacrificium. Nele presta uma homenagem aos castrati, que sacrificaram grande parte de suas vidas pela música, quase sempre de forma involuntária.

Olha que interessante a capa do disco

Na época do lançamento ela concedeu uma entrevista à televisão francesa. Aqui podemos ver a primeira parte, com legendas em inglês, e um trecho de uma das músicas que ela interpreta no disco.

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O barroco dos castrati

Video: http://www.youtube.com/watch?v=EEkMkTW9qQI&feature=related
Imagens: http://www.ceciliabartolionline.com

música barroca, Castrati, Cecilia Bartoli, cantora lírica, ópera

O barroco dos castrati

2010-10-20T17:49:00.002+01:00

Pensem na seguinte situação: Europa metida em vários episódios sangrentos relacionados com a fé, entre ele as Cruzadas e os Tribunais de Inquisição. Numa época no que quase tudo era pecado. A mulher que continha dentro de si o pecado original e sangrava uma vez por mês não podia cantar dentro das igrejas católicas. Era uma barbaridade. Mas acontece, que eles necessitavam um tom agudo nos coros. Para resolver o problema sabe o que faziam?

Castravam as criaturas. Na verdade era uma prática comum desde o ano 400, mas que ficou mais famosa no barroco. Entre os 7 e 12 anos, antes que os meninos mudassem de voz, os canais dos testículos eram cortados, ou estirpados de vez. Em sua maioria meninos orfãos ou de famílias pobres. Os pais recebiam uma soma da igreja, e eles sabiam que seu filho receberia uma boa educação. Acontece que a castração gerava um montão de problemas de desenvolvimento, entre eles, enfraquecia o coração, e muitas vezes estes meninos não sobreviviam. E outros se suicidavam.

Por outro lado, levava ao aumento do peito e aumentava a potência dos pulmões. Isso permitia que um castrati pudesse manter uma nota musical por mais tempo. Muitos deles era sedados com ópio no momento da castração e/ou mergulhados em uma banheira com leite quente com o afã de diminuir a dor, uma loucura.

E sabe que esta loucura durou até o século 20?! Sim, o último castrado foi Alessandro Moreschi, que faleceu em 1922, e se retirou do coro da Capela Sistina em 1913. No século 18, na região de Nápoles se castravam de 3.000 a 4.000 meninos por ano!

Alessandro Moreschi

Clique na faixa preta para escutar uma gravação de Alessandro Moreschi. Tudo o que ficou registrado do cantor tem esta péssima qualidade e apenas mostra um pouco do que seria a grandiosidade dos castrati.

Além de cantar nos coros das igrejas, eles acabaram nos palcos dos grandes teatros europeus para interpretar um estilo musical que nasceu no barroco, a ópera!

No próximo post, o que Cecilia Bartoli tem a ver com os castrati?

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Imagens e música:
http://www.lapetiteclaudine.com
http://www.archive.org
http://pt.wikipedia.org

Entendendo o barroco: movimento prá mais de metro!

2010-10-19T10:19:00.002+01:00

Outra característica importante no barroco, é a utilização da linha curva e das diagonais na composição. Este tipo de linhas aumentam a sensação de movimento. Este mesmo efeito se obtém na arquitetura com o uso de linhas onduladas.

A composição é a estrutura do quadro. É como o artista distribui os elementos que conformam o quadro, o edifício ou a escultura. Algumas vezes todos os elementos parecem estar inseridos dentro de um triângulo, então se costuma chamar composição triangular, que era muito utilizada no renascimento. Veja nestes dois quadros barrocos de Rembrandt, algumas das linhas da composição.

O tema deste quadro é a Sagrada Família. Isso mesmo, Jesus, a Virgem e José. Veja como o tema é tratado com mais naturalismo, esta é uma outra característica do barroco!

Para entender esta característica do movimento e das linhas curvas na arquitetura, observe esta obra de Borromini - Igreja de San Carlo alle Quatro Fontane, que está em Roma. Uma curiosidade: está foi a primeira obra que Borromini realizou sozinho sem o seu mestre (Maderno), e é considerada uma das obras-primas da arquitetura barroca!

Para dar uma volta na igreja, entre neste aplicativo. Coloque o mouse em cima da imagem e ande por onde desejar, inclusive em direção à cúpula!

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imagens: http://www.wga.hu/ y Wikipedia Borromini

barroco, Igreja de San Carlo alle Quatro Fontane, Rembrandt, Borromini, Arquitetura em Roma

Entendendo o barroco - zonas claras x zonas escuras

2010-10-18T12:16:00.002+01:00

A principal característica do barroco é o contraste claro-escuro.

Mas, afinal o que é isso?
É uma técnica na qual zonas escuras contrastam com zonas bem mais claras no quadro.

Bathseba e seu banho - Rembrandt

Por que se utiliza?
Para dar destaque a certos aspectos ou personagens e aumentar o impacto visual do quadro. Sem contar, que amplia a sensação de volume.

Madalena Ventura com seu marido e filho - Ribera

É uma característica da pintura?
Não, em outras manifestações também se pode observar este contraste. Por exemplo, na escultura. O artista pode construir os volumes de tal forma que uns se destaquem e recebam mais iluminação que outros. O mesmo aconteceu com a arquitetura.

Deposição da Cruz - Rembrandt

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Barroco: meu queridinho

Imagens: http://www.wga.hu

Barroco, Características do barroco, Para entender o barroco, Rembrandt, Ribera

Barroco: meu queridinho

2010-10-06T20:34:00.002+01:00

Adoro um exagero. Por isso o barroco me atrai. Criado como reação à Reforma Protestante, que a cada dia “roubava” da Igreja Católica miles de fiéis. Funcionou como uma espécie de “canal” de promoção do catolicismo. As palavras de Lutero eram contundentes, a estratégia visual da Contra-reforma tinha que ser mais, entrar pelos olhos, porque “graças a Deus” a maioria daquela época era analfabeta.

O barroco é como uma instantânea de uma cena de novela das oito. Um momento congelado daquela parte mais dramática. O barroco é encenação, e como tal cria cenários para suas pinturas e esculturas. Quanto mais adornos, melhor! Assim envolviam as emoções dos fiéis, entorpeciam os fiéis.

O barroco começou em Roma, centro do poder católico. Mas se estendeu tanto por países que seguiam o poder do papa, como aqueles que já haviam mostrado suas preferências pela nova ordem cristã. Só que a fé, o clima e sua gente influenciou para que ele tivesse um tempero diferente em cada região. Sobre esta ferocidade visual que vai raiar a loucura, com o Rococó, serão os próximos posts!!!

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Barroco, o que é o barroco, Velazquez, Georges La Tour, Rubens, Caravaggio

"A Última Ceia", em Dublin

2010-10-05T20:46:00.002+01:00

Na nossa primeira noite em Dublin, depois de provar a Guiness, passear pela Temple Bar, estávamos voltando para casa, quando de repente ...

demos de cara com uma "Última Ceia" muito original. Lá estava Jesus com seus discípulos, mas entre eles uma ou duas mulheres!? Uma delas seria Maria Madalena, numa versão bem Dan Brown ("O Código Da Vinci")!???

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fotos: turomaquia_2010

Dublin, Arte em Dublin, Última Ceia

Estou de volta pro meu aconchego - Ernesto Neto no MAM

2010-10-04T13:31:00.001+01:00

Tem algo mais familiar que o crochê? Acho que todo mundo tem uma imagem da mãe, da tia, da irmã ou da vizinha fazendo crochê. Quando penso na cena, logo sinto - aconchego!

O que você acha de literalmente penetrar neste aconchego? Loucura?! Nada disso! Desde 18 de setembro, Ernesto Neto expõe no MAM-SP a obra Dengo.

Foto de Carla Chaim

Com este nome que não se pode melhorar, a obra convida o espectador a ter uma papel ativo, ou seja, você não fica só olhando, entra literalmente na enorme estrutura de crochê. Desta estrutura pendem elementos que podem ser tocados, comidos, cheirados, usados. Como por exemplo, balas, sachês de camomila, tambores, bancos e tudo isso ao redor de um piano de meia cauda.

Foto de Carla Chaim

E a experiência não acaba! Como?

É possível subir numa plataforma de observação e ver toda a estrutura da obra. Entender como foi construída. Realmente não dá para perder!

Foto de Carla Chaim

Esta é apenas uma das exposições especiais que estão acontecendo na cidade, aproveitando a energia da 29ª. Bienal de Artes. O melhor que neste caso, a exposição fica do ladinho do prédio da Bienal, no próprio Parque do Ibirapuera. Quer conhecer o artista, dá uma olhada neste post.

Informação prática:
Exposição Ernesto Neto: Dengo (Grande Sala)
Curadoria: Felipe Chaimovich
Abertura: 18 de setembro, a partir das 19h
Visitação: 19 de setembro a 19 de dezembro de 2010
Endereço: Parque do Ibirapuera (av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portão 3)
tel (11) 5085-1300
Horários: Terça a domingo, das 10h às 17h30 (com permanência até as 18h)
Ingresso: R$ 5,50
Sócios do MAM, crianças até 10 anos e adultos com mais de 65 anos não pagam entrada. Aos
domingos, a entrada é franca para todo o público, durante todo o dia
Agendamento gratuito de visitas em grupo pelo tel. 5085-1313 e email educativo@mam.org.br
Site: www.mam.org.br
Estacionamento no local (Zona Azul: R$ 3 por 2h)
Acesso para deficientes
Restaurante/café
Ar condicionado

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Fotos: Claudia Chaim - MAM/SP

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Inhotim: inauguração de novos edifícios e obras – Falando um pouco de Ernesto Neto

2010-09-22T10:13:00.002+01:00

O Brasil esta semana será palco de grandes inaugurações. No sábado, a exposição de arte contemporânea mais importante do país abre suas portas. Estamos falando da 29ª. Edição da Bienal de Artes de São Paulo. E amanhã, o Inhotim, considerado a Atração do Ano pelo Guia Brasil 2011, inaugura novas salas.

Se você não ouviu falar no Inhotim, talvez antes de continuar a leitura deste post, pode ser que curta ler este post aqui.

Voltando às novas salas. Acho que falar em termos de salas é pouco. No caso de quatro artistas estamos falando de espaços e/ou edifícios que foram criados especialmente para acolher suas obras. Sem contar que estes próprios espaços de certa maneira também alteraram algumas das obras, uma loucura? É isso mesmo, o lugar é louco, na melhor acepção da palavra como já cantou Ney Matogrosso, já que esta loucura me proporcionou três dias de absoluta alegria!

No site do Inhotim, dá para ver as novas obras, videos com artistas e os arquitetos dos novos edifícios. Estive por lá na semana passada conferindo as novidades, e uma das obras que me apaixonei foi “Copulônia” do Ernesto Neto. Uma obra de 1989, importante na trajetória do artista, apenas exposta uma vez naquele final dos anos 80 e que o Inhotim resgata para o grande público.

Segundo o curador Rodrigo Moura, é “uma escultura líquida, já que a forma é definida quando a obra encontra o chão”.

Primeiro veja as imagens que fiz da obra, tente adivinhar do que está feita, e depois veja o video gravado no Inhotim quando o artista ajuda na montagem e comenta a obra.

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29ª. Bienal de Arte de São Paulo: programa para todas as idades

fotos: turomaquia_2010
video: http://www.youtube.com/user/InstitutoInhotim

Ernesto Neto, Inhotim, Museus Brasil, O que ver em Minas Gerais, arte contemporânea

29ª. Bienal de Arte de São Paulo: programa para todas as idades

2010-09-21T18:40:00.002+01:00

Já estamos na 29ª. Edição da Bienal de Arte de São Paulo. A primeira aconteceu em 1951. Hoje abre para convidados, entre amanhã e sexta recebe professores, e no sábado tchan-tchan-tchaaannnn, abre ao grande público, e sabe o melhor? A entrada é gratuita!

A relação arte e política norteou a escolha dos 148 artistas, entre os quais 50 brasileiros. É muita gente boa reunida em 3 andares, por isso vá de calçado cômodo e descanse um pouco nos espaços chamados de “terreiros”. São seis espaços para marcar encontros, tomar fôlego, baixar a adrenalina ou em alguns momentos participar de atividades como mesas redondas ou projeção de filmes.

Imagino que muita gente, agora mesmo está pensando. “Tá tudo muito bom, tá tudo muito bem, mas “ aqui entre nós, é arte contemporânea, que para mim é como ler um texto em chinês, ou seja, incompreensível.

Primeiro, relaxa e vá lá com o coração aberto, e tendo em mente, que você necessariamente não tem que gostar ou querer levar para a sala da tua casa. Que muitas vezes a arte também nos conduz a experiências mais relacionadas com o nojo e o desespero, tal qual nosso entorno!

E segundo, a boa notícia, é que o site oficial do evento, pode te ajudar a se preparar para a visita. Quer saber um pouco de cada artista, leia os textos curtos e objetivos sobre cada participante, que vem acompanhados de fotos. Clique na barra lateral esquerda em: PARTICIPANTES. Quer montar teu próprio audio-guia? Clique em CANAL29, depois em Guia Digital e faça o download dos audios dos artistas, assim você poderá colocá-los no seu mp3 e escutá-los enquanto visita a Bienal.

Para ter acesso ao mapa, é só clicar no MAPA DA 29ª, e para saber os horários de abertura em AO VISITANTE.

São Paulo vai receber muitas exposições no período da Bienal, mas isto é tema para outro post!

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Imagens:
http://www.29bienal.org.br y http://www.fbsp.org.br/29_bienal-pt.html

Bienal de São paulo 2010, Como visitar a Bienal 2010, Site da Bienal 2010, O que fazer em Sampa

Guayasamin: o pintor do sofrimento

2010-09-14T15:12:00.001+01:00

Oswaldo Guayasamín nasceu em Quito em 1919, e já não está entre nós. Mas sua obra é testemunha do “mundo que lhe coube viver”. Confesso que não conhecia o artista, mas na entrada do Museu Oscar Niemeyer ao dar de cara com os folhetos das exposições que se realizavam naquele momento, o retrato que aparecia naquele fundo negro me chamou atenção.

Passei à porta de acesso e já me emocionei. As obras eram chocantes, na melhor e na pior acepção da palavra. Na melhor, porque ele trabalha a cor de uma maneira surpreendente, inclusive nas obras em preto e branco. Na pior, porque retrata um sofrimento que chega n´alma.

Seus personagens tem mãos gigatenscas, que apenas aumentam a sensação de angústia. As mãos são quadradas, pontiagudas. Os olhos perplexos refletem a própria condição humana frente ao inevitável. Os corpos sem vida são de um tom verdoso que parece exalar aquele ar nojento e fedido dos corpos que estão apodrecendo.

Para quem estiver ou passar em Curitiba até 26/09, vale (e muito a visita) à expo: “Guayasamín: Uma América Pintada”. Se não der para vê-la ao vivo e a cores, visite o site oficial do artista: http://www.guayasamin.org

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fotos: turomaquia_2010 y
folheto MON - Museu Oscar Niemeyer
Tags Technorati: Guayasamin, arte equatoriana, arte latinoamericana, Museu Oscar Niemeyer

MOMA: guia grátis para IPhone, Ipod Touch e Android

2010-08-16T11:05:00.002+01:00

O museo de Arte Moderna de New York acaba de lançar seu aplicativo para Iphone, Itouch e Android. Além de colocar à disposição do visitante todas as informações práticas para realizar sua visita, oferece 5 diferentes tours pelo museu, com podcasts das principais obras. Tudo isto grátis!

Para descarregar é só entrar em Itunes para quem tem Iphone ou Ipod Touch, para os que possuem algum celular Android, veja como descarregar o aplicativo, clicando aqui.

O museu também acaba de lançar seu primeiro e-book: Vincent van Gogh The Starry Night. Custa U$ 4,99 e pode ser adquirido em Itunes.

Nos próximos dias, diminuimos nosso ritmo de posts porque estamos em fase de produção de material para o Artetropia e o Turomaquia. Quer saber por onde andamos? É só nos seguir pelo Twitter. Em qualquer momento, voltamos com um boletim extraordinário!

MOMA, guia grátis MOMA, Aplicativo para IPhone e Android, museu New York, o que ver em New York

O escultor maluco e seu Perseu

2010-08-09T22:32:00.001+01:00

Lá no Turomaquia estamos de passeio pela Piazza della Signoria em Florença. Um local repleto de esculturas, uma delas, uma réplica do Perseu, de Benevuto Cellini. Ele foi um dos mais importantes ourives do Renascimento, além de gravador, escultor e escritor. O típico cara renascentista!

Era bem cabeça dura, quando resolvia fazer alguma coisa, não tinha cristão que tirasse a idéia da sua cabeça. Por isso, apesar de todo mundo falar que era muito difícil realizar em bronze com a técnica da cera perdida seu Perseu. Ele não quis nem saber ...

Como é esta técnica?

O artista faz a escultura em barro, queima no forno para ficar durinha. Depois por cima estende uma camada de cera. E volta a realizar a escultura em barro por cima desta camada. Para manter cada coisa em seu lugar utiliza uns pregos bem grandes, que mantém as três camadas em seu lugar. Ao terminar, outra vez no forno. E o que acontece? A cera se derrete e sai por uns tubinhos. No seu lugar colocam o bronze. Depois é só romper a primeira camada de barro e retirar a camada interior. Mas isto é bem complicado quando a escultura é grande e está cheia de recovecos.

Durante a fundição do bronze, Cellini passou por poucas e boas, está curioso? Passa lá no Turomaquia! Agora o que não contei por lá, é que a vida de Cellini foi em estilo telenovela mexicana. Até preso por dois assassinatos ele foi. Mantido no Castelo Sant´Angello em Roma, conseguiu escapar e acabou sendo perdoado!

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Benevuto Cellini, Florença, Piazza della Signoria, renascimento italiano, técnica da cera perdida

1 personagem e 3 artistas = 183 anos de história da arte

2010-08-05T10:29:00.001+01:00

Não deixe que os nomes dos movimentos artísticos te afastem da arte. Ao final, tudo é um questão de olhar. As mudanças são perceptíveis à simples vista. Não é uma questão de evoluçao e sim de gostos, técnicas e momentos histórico-sociais.

Um exemplo? Veja estas três interpretações de um mesmo personagem histórico, Davi. Este pastor capaz de vencer ao gigante Golias. Entre estas esculturas 183 anos de arte e dois movimentos artísticos – renacsimento e barroco.

Davi de Donatello – 1440 – Bronze – 1,58 m de altura – Museu del Bargello/Florença

Davi de Michelangelo – 1504 – Mármore – 5,17 m de altura – Accademia/Florença

Davi de Bernini – 1623 – Mármore – 1,70 m de altura – Galeria Borghese/Roma

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Obra de El Greco durante a Guerra Civil Espanhola

2010-07-26T08:00:00.001+01:00

Curiosidade: Veja como protegeram a obra de El Greco – O Enterro do Conde de Orgaz durante a Guerra Civil Espanhola. Esta foto que retirei do blog: http://rayosycentellas.net é de 1936.

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2010-07-23T12:08:00.001+01:00

O site da Igreja de Santo Tomé, onde se encontra a obra de El Greco – O Enterro do Conde de Orgaz, é uma daquelas surpresas agradáveis. Repleto de informação, inclusive uma galeria com detalhes das obras, da qual eu tirei as imagens que ilustram este post.

É possível ver um audiovisual de 14 minutos que explica tim-por-tim a obra, fazer uma visita virtual pela Igreja e até descarregar um folheto que identifica os personagens da tela.

Ver ao vivo esta obra é algo que se pode etiquetar como: não tem preço ou coisas para fazer antes de morrer!

Informação prática
Site: http://www.santotome.org/indexnew.html
Horários:
De 01/03 a 15/10 – 10:00 às 18:45
De 16/10 às 28/02 – 10:00 às 17:45

Tarifa: 2,30€

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2010-07-22T10:38:00.001+01:00

Dê o play no podcast enquanto observa detenidamente à obra ...

No filme El Greco, é bem legal ver qual teria sido a reação dos cidadãos de Toledo diante de “O Enterro do Conde de Orgaz”.

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O desenvolvimento de um estilo pessoal na arte - Case El Greco

2010-07-21T07:52:00.000+01:00

Até o mais talentoso dos artistas necessita estudar, ver mundo e passar horas em su estúdio. A arte não é uma inspiração louca que acontece, e desce como um espírito sobre o artista. Tanto que Picasso dizia que passava tantas horas pintando, aproximadamente 8 por dia, para que a inspiração lhe pegasse trabalhando! A arte é mais transpiraçao do que outra coisa. São horas e horas de trabalho.

O estilo próprio que identifica um artista é fruto desta entrega e esforço. El Greco não nasceu pintando da maniera pela qual ficou conhecido. No começo, seus mestre ou o que via foram modelando pouco a pouco sua forma de fazer arte, e seu estilo é um reflexo desta aprendizagem.

É legal perceber esta evolução analisando um tema que ele pintou 3 vezes em 3 momentos diferentes de sua vida e em 3 cidades diferentes: “A Purificação do Templo”.

A primeira tela é de 1570, foi pintada em Veneza enquanto estudava e trabalhava com Tiziano. Os pintores venezianos eram conhecidos pela utilização da cor, que era mais importante que o desenho em si. Adoravam um vermelho, adoravam a exuberância.

A segunda tela é de 1571 e foi pintada em sua estância em Roma. Para os romanos a linha era mais importante, a modelagem das figuras. Neste quadro ele detalha e ilumina mais a parte da arquitetura, é claro, depois de visitar as ruínas romanas era de se esperar!

A terceira tela é de 1610, já em Toledo. Aqui já vemos El Greco em estado puro. As figuras voltam a ter protagonismo, e são estilizadas. Alonga a anatomia para obter um efeito mais dramático. Mas veja que o vermelho veneziano lhe acompanhou, existem influências que marcam. É como preparar uma vitamina, juntamos o leite e as frutas e ao final alcançamos um sabor, que já não é de banana ou morango, e sim algo novo!

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O Laoconte de El Greco: uma escultura inspirando uma pintura

2010-07-20T08:00:00.000+01:00

No Artetropia já falamos do Laoconte. Lembra que este personagem tem a ver com a Guerra de Tróia?! Não lembra? Então antes de mais nada leia este post: A estória detrás do Laoconte.

El Greco nasceu na ilha de Creta, toda a mitologia grega fez parte de sua educação. E é quase certo que ele tenha visto a escultura do Laoconte em uma viagem à Roma. Tanto lhe impactou, que anos mais tarde realizou uma pintura em que Laoconte e seus filhos aparecem em primeiro plano e no fundo se vê a cidade de Toledo. Uma escultura inspirou uma pintura. O que realizou El Greco em arte se costuma chamar de releitura: a interpretação de uma obra de arte através de outra obra normalmente realizada por um um outro artista.

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El Greco: o cretense mais espanhol do século 16

2010-07-19T18:44:00.002+01:00

Doménikos Theotokópoulos, nasceu em Creta no século 16. Neste momento, a ilha estava sob o domínio dos venezianos. Todos os cidadãos tinham uma espécie de “dupla cidadania”. Por isso escolheu Veneza para estudar, além do que naquele momento muitos pintores famosos estavam na cidade, entre eles Tiziano. Foi no estúdio deste pintor que estudou e trabalhou até sua mudança para Espanha. O rei espanhol Filipe II estava construindo um enorme palácio, El Escorial. Seu primeiro trabalho em terras espanholas foi justamente uma tela para este edifício. Fixou residência em Toledo que até 1652 foi a capital do império.

O Espólio

El Greco, como ficou conhecido, certamente porque quase ninguém conseguia pronunciar bem seu nome, teve muito sucesso em vida. Seus quadros antecipam de certa maneira o barroco, que virá logo depois. Seus personagens estão imersos em ambientes sombrios e a luz apenas ilumina seus corpos. Imagine que ele viveu em plena e dura Inquisição espanhola. Inclusive teria sido citado a comparecer frente a este tribunal. Por quê? Seus santos tinham o rosto de personagens da época, Vivia com Jeronima, e de sua relação, nasceu um filho, e como eles não se casaram, o menino era considerado um bastardo! Todo este ambiente se sente em seus quadros.

Maria Madalena em Penitência

Ele conseguiu algo muito difícil criar um estilo próprio. Depois de ver algum de seus quadros, é impossível que não lhe reconheça quando esteja frente a outro "El Greco"!!!

O Martírio de São Maurício

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Imagens:
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El Greco, Maneirismo, Toledo, Tiziano

A Virgem do Pescoço Longo!? pintada por Parmigianino?!

2010-07-09T09:00:00.000+01:00

Escute o podcast pulsando sobre o play com o mouse. Enquanto escuta, olhe detenidamente para esta mulher ...

Para vê-la? Vá a Galeria Uffizi, em Florença (Itália). Ele mede 2,19 x 1,55 m, foi realizado entre 1534 e 1540. É um óleo sobre madeira.

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Maneirismo, Parmigianino, Viregm do pescoço LOngo, Galeria Uffizi

Aprendendo através da Arte - Museu Guggenheim

2010-07-08T18:36:00.001+01:00

Os museos tem um problema crônico: formação de público. Muita gente deixa de ir a um museu porque não se sente a gosto nestes lugares. Não entende o que vê, sempre tem um guarda à espreita, há quinhentas mil proibições, o que eu vou fazer aí? É difícil que alguém desfrute de algo que não entende nada. Vive a situação com muita ansiedade. Por isso é importante que os museus ajudem na formação de um público que possa entender o que tem diante de si e mais do que nada - ache um barato visitá-los! Que entenda a visita a um museu como uma atividade tão divertida como ir ao cinema, ao shopping, etc.

Pensando nisso, e em questões como responsabilidade social, os museus mantém departamentos educativos. Alguns saem das quatro paredes protetoras da instituição e se aproximam da comunidade. Um deles é o Guggenheim, que mantém um programa bem legal, o “Aprendendo através da Arte”.

Durante 20 semanas, artistas e educadores do museu em parceria com os professores vão à escolas públicas e uma hora e meia por semana fazem atividades com os alunos de 6 a 12 anos. Ao final, selecionam alguns trabalhos que são expostos dentro do próprio museu. Imagina o que significa para uma criança ver seu trabalho artístico exposto no Guggenheim?!!! Em uma palavra, ALUCINANTE. E se fosse falar em espanhol diria: FLIPANTE.

Óbvio que estes alunos terão outra relação com o museu. Sentiram esta intimidade gostosa com o lugar, e provavelmente seus filhos e netos serão contagiados por esta sensação, e pronto, muito mais do que um fiel ao museu, temos várias gerações de uma mesma família, sem contar o boca a boca com os amigos!

Este programa nasceu nos anos 1970, na sede de New York. Naquele momento a disciplina de arte tinha sido eliminada dos colégios públicos. Natalie K. Lieberman desenvolveu o programa como uma maneira de suprir esta lacuna.

Marcie, editora do blog Abrindo o Bico, passou pela exposição de New York deste ano e mandou as fotos que ilustram este post. Ela adorou a exposição! Esta é uma forma de fazer com que os museus deixem de ser estes seres “intocáveis” que chegam até a dar medo!!!

Para saber mais, visite o site em inglês, ou em espanhol. O Guggenheim Bilbao também desenvolve este programa.

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fotos:Marcie Grynblat Pellicano

Museu Guggenheim, Aprendendo através da Arte, Learning through Art, Museu New York, Arte-Educação

Exagerado o Maneirismo? Quase nada – Palacio Te

2010-07-08T08:00:00.000+01:00

Para mergulhar de cabeça no maneirismo nada melhor que visitar o Palácio Te, em Mântua (Itália). Por quê? O edifício construído por Giulio Romano é um exemplo de arquitetura maneirista, sem contar todos os afrescos que revestem as paredes e os tetos.

Retrato de Giulio Romano, por Tiziano e Exteriores do Palácio Te

Giulio Romano foi colaborador de Rafael Sanzio. Numa época difícil em Roma, decidiu trabalhar para o Duque de Mântua. Ele queria construir uma casa para realizar festas e se distrair um pouco. O palácio foi construído em 18 meses (século 16), fora das muralhas da cidade. Seu nome vem da localização, uma espécie de ilha que se chamava “Te”.

Dá uma olhada nos afrescos que Giulio Romano fez para uma das estâncias, conhecida como Sala dos Gigantes, porque o tema principal da pintura é “Zeus fulmina os gigantes”. Tem espaço para algo mais? Daí a expressão “horro vacui” – horror ao vazio!

Para saber mais sobre o palácio, visite: http://www.palazzote.it/
Está aberto à visitação, na segunda das 13:00 às 18:00 horas e de terça a domingo, das 09:00 às 18:00 horas. A entrada custa 8€.

Outra sala do palácio - Banquete de Cupido e Psique

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Fotos Palacio Te - http://www.rositour.it/Italia/Lombardia/Mantova/Mantova.htm y http://www.palazzote.it/
Marcok / it:wikipedia
http://mantovaoggi.files.wordpress.com/

Maneirismo, Palácio Te, Mântua, O que ver em Mântua, Giulio Romano

Maneirismo: um estilo de fortes emoções

2010-07-07T12:42:00.001+01:00

Imagine a situação ...
Século 16 um jovem artista aparecia no pedaço e com quem se encontrava? Michelangelo, Da Vinci e Rafeal só para citar alguns. Parecia que eles já haviam alcançado o céu. Para não copiá-los, estes jovens e talentosos artistas começaram a criar uma nova forma de fazer arte.

Uma característica básica e fácil de verificar desta nova corrente é o alongamento da figura humana, deixam de lado as malditas e certinhas proporções, para criar atmosferas de sonho e irreais.

Dá uma olhada no rosto da mulher, veja como é alongado.
Pallas Athene (1539), de Parmigianino - Royal Collection - Windsor Castle

Os quadros e as esculturas terão temas mais dramáticos, e muitos artistas terão “horror vacui”, sabe o que é isso? Horror ao vazio, o que resultará em obras bem, mas coloca bem nisso, exageradas!

Será que tem lugar para algo mais?
Cúpula da Catedral de Parma, pintada por Correggio (1526/1530)

Detalhe da cúpula

Em muitos casos colocarão objetos em suas obras como forma de homenagear a outros artistas ou certas obras literárias. Este movimento se chamará: Maneirismo. Grandes artistas podem ser chamados de maneiristas e até Michelangelo em sua fase final. Entre outros: Pontormo, Parmigianino, Bronzino, Correggio, Tintoretto, El Greco, Arcimboldo e aqueles que pertenceram à Escola de Fointanebleau.

Para saber mais sobre a Catedral de Parma, visite: http://www.cattedrale.parma.it/

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maneirismo, Correggio, Parmigianino, Catderal de Parma, carcaterísticas maneirismo

Michelangelo e a Capela Sistina: do Gênesis ao Juízo Final

2010-07-05T09:00:00.000+01:00

Este documental em duas partes mostra a relação de Michelangelo com a Capela Sistina. Está em italiano com legendas em inglês e espanhol. Apresenta alguns erros de tradução, como Adamo é Adão. Mas é de se agradecer que Darsham tenha feito o esforço de traduzir o video!

Na primeira parte, o apresentador afirma que Michelangelo aprendeu a técnica do afresco ao chegar em Roma, para pintar o teto. Não foi assim, quando era um adolescente estudou um ano a técnica com Ghirlandaio em seu atelier de Florença.

O documentário não é chato, e acredito que seja bem adequado para aqueles que vão visitar os Museus Vaticano. Este prévio conhecimento fará com que o desfrute seja ainda maior! A primeira parte fala da pintura do teto (10 minutos) e a segunda do Juízo Final (8 minutos). O que o tradutor coloca como Judicio, seria Juízo (em español, juicio).

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Video: http://www.youtube.com/user/darsham

Capela Sistina, Michelangelo, O que ver no Vaticano, Juízo Final

O bestial teto da Capela Sistina

2010-07-04T08:00:00.000+01:00

Sinceramente é uma das coisas mais lindas e impactantes que já vi na vida. Não se deixe impressionar pela quantidade de pessoas. Eu sempre penso: “Que legal que tanta gente tenha acesso a esta maravilha!”. Ande pelo espaço que vai do Juízo Final até o portão que divide a Capela. Depois fique de olho nos bancos laterais, quando alguém sair, sente imediatamente. Encoste tua cabeça na parede e vislumbre uma das maiores obras
de arte de todos os tempos. Assim fica menos incômodo. Passe muito tempo sentado, olhando a obra, olhando a reação dos demais. E não esqueça de ver as paredes laterais, com afrescos dos grandes nomes do Renascimento Italiano!

Aqui estão as histórias centrais do Gênesis:

Deus separando a Luz das Trevas;
Deus criando o Sol e a Lua;
Deus separando a terra das águas;
A Criação de Adão;
A Criação de Eva;
O Pecado Original e a Expulsão do Paraíso;
O Sacrifício de Noé;
O Dilúvio Universal;
Noé Embriagado.

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Imagens: http://www.wga.hu

Capela Sistina, Michelangelo, Teto Capela Sistina, Vaticano, O que ver no Vaticano

Capela Sistina: o escultor que se fez pintor

2010-07-02T08:00:00.000+01:00

Em 1508, o Papa Julio II queria mudar um pouco o teto da Capela Sistina, que imitava um céu estrelado. Pede a Michelangelo que pinte os doze 12 apóstolos. Ele queria rejeitar este trabalho. Era escultor e não se sentia capaz de realizar uma grande obra com a técnica do afresco. Na real, o cara era muito perfeccionista! Mas o Papa que era osso duro de roer não aceitou um não como resposta.

Michelangelo começou a realizar os estudos e pediu carta branca para fazer o que lhe desse na telha, o Papa deu, e das 12 figuras iniciais, o artista realizou mais de 300! No início chamou uns discípulos para ajudá-lo, mas se irritava com o trabalho que faziam, e terminou pintando praticamente sozinho, no tempo recorde de 4 anos!

Na parte amarela, nestes triângulos estão pintados os antepassados de Cristo, como Salomão.

Nas partes cinzas, chamadas de “pechinas”, que são os triângulos arredondados nas extremidades do teto estão pintados os quatro episódios da milagrosa salvação do povo de Israel. Representam a contínua presença de Deus junto à seu povo. São:

Judite e Holofernes
Davi e Golias
Castigo de Hamã
Serpente de bronze

As partes alaranjadas trazem as sibilas e profetas que retratam à espera da Humanidade pela Redenção. Os profetas anteciparam à vinda de Jesus Cristo. As sibilas, figuras pertencentes à Grécia Antiga, eram videntes, e mostram que além dos escolhidos, toda a humanidade podia ter a esperança da salvação.

Ao centro, em vermelho, estão 9 histórias do Gênesis. Primeiro livro da Bíblia que narra a Criação do Mundo. São elas:

Deus separando a Luz das Trevas;
Deus criando o Sol e a Lua;
Deus separando a terra das águas;
A Criação de Adão;
A Criação de Eva;
O Pecado Original e a Expulsão do Paraíso;
O Sacrifício de Noé;
O Dilúvio Universal;
Noé Embriagado.

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Pietá: a obra-prima de um Michelangelo Jovem

2010-07-01T10:09:00.001+01:00

Com 23 anos Michelangelo esculpe a Pietá, que se encontra na Basílica de São Pedro (vaticano). É a instantânea do momento em que a Virgem Maria sustenta nos braços a seu filho morto, Jesus Cristo. O interessante no artista é que ele consegue transmitir sentimentos universais que vão além dos episódios bíblicos. A Pietá é o amor materno incondicional, puro e sempre presente. A Virgem não é velha nem jovem, é atemporal, representa a todas estas mães.

Esta escultura foi reconhecida como obra-prima desde o primeiro dia que foi exposta. Muita gente não acreditava que alguém jovem pudesse realizar um trabalho tão fino e delicado, com uma técnica tão aprimorada. Até que entra um peregrino na igreja e afirma que a escultura era de um artista lombardo, Christoforo Solari. Michelangelo irado, na mesma noite, esculpe na faixa da roupa da Virgem: “Michelangelo Buonarroti, Florentino, Fez isto”. O artista depois se arrependeu do seu gesto, e prometeu que nunca mais assinaria um trabalho com suas mãos.

Para vê-la? Entre na Basílica de São Pedro, no Vaticano. Está louco na entrada do lado direito. Não esqueça que está proibido entrar na igreja com os ombros desnudos e de shorts! Fiscais estão de olho! A Pietá mede 1,74 x 1,95 m.

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2010-06-29T08:00:00.001+01:00

Dê o play no podcast, enquanto observa o deslumbrante David ...

Tom e ao fundo a réplica na Piazza della Signoria/Florença

Para ver a obra? A original na Accademia, de Florença. A réplica na Piazza della Signoria, da mesma cidade.

Michelangelo, David, Accademia, Florença, O que ver em Florença, Renascimento

Viajando com Michelangelo por Florença

2010-06-28T11:51:00.001+01:00

Michelangelo era florentino de coração. Nasceu em 1475 na Vila de Caprese. Mas aos 13 anos já estudava a arte do afresco em Florença com Domenico Ghirlandaio. Com 14 anos entrou na escola de artes que funcionava nos Jardins de São Marcos, mantida pelos Medici. Neste mesmo ano, foi convidada à casa desta importante família. Seu pai achou aquilo ótimo, pensando que o filho podia trabalhar como comerciante, já que a arte não era um trabalho tão bem visto naquela época.

Mas que nada, o menino queria mesmo ser artista. Nesta cidade, aos 15 anos realizou seus primeiros relevos. O primeiro ponto de parada do roteiro da Florença de Michelangelo é a Casa Buonarroti. Alberga as primeiras obras do jovem artista. Uma casa que ele comprou, mas nunca chegou a morar, já que faleceu na cidade de Roma.

Ele queria que suas esculturas fossem perfeitas. Começou a estudar anatomia. Para ter acesso aos cadáveres, necessitou uma autorização de um eclesiástico. Como retribuição esculpiu em madeira um crucifixo para a Igreja do Santo Espírito. Tinha 17 anos. Depois de um tempo teve que deixar os cadáveres de lado, porque estava afetando sua saúde.

Em 1492, morre Lorenzo de Medici ou o Magnífico, o grande mecenas do Renascimento. A cidade vira um campo de batalha entre os piagnoni liderados por Savonarola e os arribiati, que queriam manter a oligarquia mas sem os Medici. Savonarola esteve a frente da cidade, e foram 4 anos de bastante terror e perseguições. Michelangelo se mandou para Roma, onde realizou seu primeiro grande trabalho escultórico – Baco. Esta obra e outras estão no Museu Nacional de Bargello. Um núcleo da escultura renascentista. Inclui Donatello que ensinou a Verocchio, que foi mestre de Leonardo Da Vinci.

Em 1501, retorna à Florença, e recebe uma grande encomenda do Grêmio da Lã, o David. Eles queriam colocá-lo em frente à catedral, mas Michelangelo pediu encarecidamente que fosse posto em frente ao Palazzo Vecchio, centro político-administrativo da cidade, como símbolo da República. Efetivamente, o David reinou por ali até que foi transferido a um lugar mais seguro e longe das intemperies – a Accademia. Mas dentro do Palazzo Vecchio, a escultura da Vitória pode ser vista no salão principal.

Mais um período romano, para pintar as mais de 300 figuras da Capela Sixtina, e algumas pinturas que estão na Galeria Uffizi. A coleção dos Medici, reune o mais representativo de todo Renascimento Italiano. No verão europeu, entre julho e agosto, as filas para entrar neste museu são enormes. É possível comprar on-line o ticket e entrar diretamente, mas claro tudo tem seu preço, aqui são 4€ a mais!

Retornou a Florença e realizou trabalhos como arquiteto, desenhando a fachada da Igreja de São Lorenzo, projeto que ficou no papel, papel que foi perdido. Mas nesta igreja esta a Tumba dos Medici, obra do artista. Do ladinho, a Biblioteca Laurentiana com sua imponente escadaria, tudo desenhado por Michelangelo.

Escadaria da Biblioteca Laurentiana

Detalhe da Tumba Medici

Em 1528, realiza os planos de defesa de Florença ante o iminente ataque das tropas papais. Ele vendo que a coisa estava feia, fugiu para Veneza. Foi exilado como traidor, mas Clemente VII deu seu perdão e ele retornou à cidade. Por pouco tempo, descontente com a situação política de sua querida Florença, em 1534 deixou a cidade e nunca mais retornaria vivo.

No Museu Dell´ Opera del Duomo uma obra do artista realizada naqueles anos romanos, uma nova Pietá. Não feliz com o resultado final, o artista golpeou a obra com um martelo, mas não chegou a destrui-la.

Michelangelo faleceu em Roma, mas seus restos foram trasladados à Florença. O gênio jaz na Igreja de Santa Croce, junto a outros imortais que de alguma maneira construiram uma visão de mundo que deu um giro de 180 graus à humanidade.

Informações práticas:
Casa Buonarroti (A)
Site: http://www.casabuonarroti.it/home.htm
Horários: de quarta a segunda-feiras, das 09:30 às 16:00 horas
Tarifa: 2,40€

Igreja do Santo Espírito (B)
Site: http://www.firenze-online.com/visitare/informazioni-firenze.php?id=5
Horários: Laborais das 08:30 às 12:00 e das 15:45 às 18:00 horas. Domingos e feriados das 08:30 às 12:00 e das 15:45 às 17:00 horas
Tarifa: gratuita

Museu Nacional de Bargello (C)
Site: http://www.firenzemusei.it/bargello/
Horários: de segunda a domingo das 08:15 às 13:50 horas
De 3 de abril a 12 julho das 08:15 às 17:00 horas
Fechado: 1º, 3º. e 5º. domigo de cada mês; e na 2ª. e 4ª. segunda-feira de cada mês
Tarifa: 4€

Accademia (D)
Site: http://www.uffizi.firenze.it/musei/accademia/
Horários: de terça-feira a domingo das 08:15 às 18:50 horas
Tarifa: 6,50€, para reservar e evitar filas: + 4€

Palazzo Vecchio (E)
Site: http://www.museicivicifiorentini.it/en/palazzovecchio/
Horários: das 09:00 às 19:00 horas, e nas quintas e feriados das 09:00 às 14:00 horas
Tarifa: 6€

Galeria Uffizi (I)
Site: http://www.uffizi.firenze.it/musei/uffizi/
Horários: de terça-feira a domingo das 08:15 às 18:50 horas
Tarifa: 6,50€, para reservar e evitar filas: + 4€

Basílica de San Lorenzo (F)
Site: http://www.operamedicealaurenziana.it/eng/home.asp
Horário: das 10:00 às 17:00 horas, de segunda a sábado.
Aberto aos domingos das 13:30 às 17:00 horas, de março a outubro
Tarifa: 3,50€

Biblioteca Laurentiana (G)
Site: http://www.bml.firenze.sbn.it/
Horários: a biblioteca abre ao público quando alberga exposições, de segunda-feira a
sábado, das 09:30 às 13:30 horas.
Tarifa: 3€
Caso vá visitar a basílica, o mlehor é adquiri a entrada combinada por 6€.

Museu dell´Opera del Duomo (H)
Site: http://www.operaduomo.firenze.it/
Horários: de segunda-feira a sábado das 09:00 às 19:30 horas e nos domingos das 09:00 às 13:45 horas
Tarifa: 6€

Imagens: http://www.wga.hu/index.html
Mapa: utilizado Google Maps criado por turomaquia_2010

Michelangelo, Obras de Michelangelo em Florença, O que ver em Florença, David, Sagrada Família, Galeria Uffizi, Accademia

Uma Monalisa e muitas interpretações

2010-06-25T10:17:00.001+01:00

A "Monalisa" ou "Gioconda" de Leonardo Da Vinci é um quadro tão importante dentro da história da arte que influenciou direta ou indiretamente muitos outros artistas. Alguns deles quiseram mostrar ao mundo a maneira pela qual viam esta obra, o que de maneira geral na arte chamamos de "releitura". Numa sexta-feira, dia de jogo, nada melhor que relaxar escutando Nat King Cole cantando "Monalisa" e desfrutar de algumas destas releituras.

Monalisa com 12 anos, de Botero - 1959

Composição com Monalisa, de Malevich (1914) e Monalisa com chaves, de Léger (1930)

Peanut Butter and Jelly Mona Lisa, de Vik Muniz

La Gioconda, de Margritte (1960) e American Project, de Erro (1958)

Use of Remabrandt as Ironing Board (Marcel Duchamp), de Daniel Spoerri - 1964

Thirty are better tan one Andy Wharhol, de Andy Wharhol (1963) e Figure 7, de Jasper Johns (1968)

Yasumasa Morimura, 1988

Pneumonia Lisa, de Robert Rauschenberg - 1982

Monalisa, de Botero - 1963

Monalisas, de Mary Rose Storey - 1967

Auto-retrato como Monalisa, de Dalí (1964) e Picabia com Duchamp (1942)

Apocalipse 7, de Keith Haring (1988) e Monalisa, de Basquiat

Mary Rose Storey, 1980

Na rede:
Interessante site dedicado à Monalisa, inclusive acompanha guia para professores - http://www.studiolo.org/Mona/MONALIST.htm#CONTENTS

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O que Da Vinci tem a vaer com Albert Dürer – “Dama com Arminho”

Imagens: http://www.studiolo.org/Mona/MONALIST.htm#CONTENTS y
http://lunaticadesnuda.blogspot.com/2008/08/many-incarnations-of-mona-lisa.html
Video: http://www.youtube.com/user/tsagarisp

Monalisa, releituras da Monalisa, Renascimento, importância da Monalisa

O que Da Vinci tem a ver com Albert Dürer - "Dama com Arminho"

2010-06-23T08:00:00.000+01:00

Escute o podcast Artetropia enquanto desfruta da obra de Leonardo Da Vinci - "Dama com arminho" ...

Retratos dos pais do pintor - Albert Dürer (observe o tratamento do fundo!)

Como faço para estar na frente desta dama? Visite o Museu Czartoryski ch, em Cracóvia (Polônia). Foi realizado entre 1483 e 1484, com a técnica do óleo sobre tela. Mede 54 x 39 cm.

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Imagens: http://www.wga.hu/index1.html

Leonardo da Vinci, Dama com Arminho, Museu Cracóvia, Albert Durer

Albert Dürer – a paixão pelo autorretrato

2010-06-22T10:39:00.001+01:00

O autorretrato é importante na medida que mostra como a posição do artista vai melhorando a partir do Renascimento. Será um longo caminho. Não será da noite para o dia que os pintores ganharão status social, mas a profusão de auto-retratos no Renascimento já dá pistas do início desta mudança.

Albert Dürer foi o grande nome do Renascimento do Norte da Europa. Este artista nasceu na Alemanha em 1471. Além de pintor, foi um importante artista gráfico, desenvolvendo desenhos, aquarelas e gravuras.

Seu primeiro autorretrato é um desenho de quando tinha apenas 13 anos! O mais importante e polêmico está na Alta Pinacoteca, de Munique. Dürer se mostra como Jesus Cristo. Vestido ricamente e parece dizer: “Meu poder criativo é um presente direto de Deus!”

Este primeiro autorretrato pode ser visto no Museu Albertina, em Viena (1484)

Este foi realizado em 1493, encontra-se no Museu do Louvre, em Paris

No Museu do Prado está o autorretrato de 1498. O que se vê escrito é: “1498. Pintei
conforme minha figura. Eu tinha 26 anos. Albrecht Dürer A. D.”

Autorretrato como Ecce Homo, está na Alta Pinacoteca, de Munique (1500)

O chocante autorretrato do artista nú. Por que chocante? Não fazia nada que os artistas
haviam voltado a se retratar e pouco a pouco voltavam os corpos nús a pintura. Pense na
ousadia que era um artista retratar-se com um nú frontal!??? (1500/1505). Está em
Weimar, no Schlossmuseum.

Leia também:
Masaccio: o primeiro grande pintor do Renascimento Italiano
A expressividade dos personagens de Masaccio (e outros Adão e Eva)
Brunelleschi: o primeiro homem renascentista

P.D.: Que estranho escrever autorretrato e não auto-retrato!!! Coisas da reforma ...

Albert Dürer, Autorretrato, Renascimento Norte de Europa

Última Ceia - Leonardo Da Vinci

2010-06-21T18:41:00.002+01:00

Enquanto escuta o podcast Artetropia, olhe detenidamente para esta pintura mural de Leonardo Da Vinci!

Linhas de perspectiva

Para visitar? É necessário reservar antes, porque apenas um número reduzido de pessoas pode entrar diariamente na sala do Convento de Santa Maria delle Grazie (Milã9) onde se encontra a pintura. Para saber mais, visite: http://www.vivaticket.it/evento.php?id_evento=298097&op=cenacoloVinciano

podcast: artetropia_2010

Ultima Ceia, Leonardo Da Vinci, Renascimento, Análise Ultima Ceia de Da Vinci

O poder do homem: os retratos do Renascimento

2010-06-17T13:45:00.001+01:00

Na Idade Média, quas não se pintaram retratos. Todo o foco estava em Deus, se vivia o teocentrismo. Com a mudança de paradigma que resultou no Renascimento, de repente o homem volta à cena. Ocorre uma verdadeira explosão desta temática. Mais do que isso, os artistas voltam a assinar suas obras. Pouco a pouco o ofício de pintor vai ganhando relevo na sociedade. Portanto, tratamos de um duplo poder, daquele que retrata e do retratado.

Os pintores reivindicam este poder do retrato e da pintura. Leonardo Da Vinci chega a clamar pela superioridade da pintura sobre a literatura, que desde muito se considerava superior porque era uma atividade intelectual e não gestual (braçal):

“Se o poeta diz que pode induzir aos homens a amar, o que é algo essencial para todas as espécies animais. O pintor possui este poder e mais, já que coloca diante dos olhos do amante a própia efígie da coisa amada, a qual por vezes beija e fala, o que não faria diante das mesmas belezas descritas pelo poeta” (Leonardo da Vinci).

Obras:
Messer marsillo e sua esposa, de Lorenzo Lotto
Andrea Odoni, de Lorenzo Lotto
Retrato de um jovem, de Lorenzo Lotto
Retrato de uma jovem, de Hans Memling
A bela Ferronière, de Leonardo Da Vinci
Bindo Altoviti, de Rafael Sanzio

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Imagens: http://www.wga.hu/index1.html
Texto de Leonardo Da Vinci retirado do catálogo da exposición do Prado - "Retratos del Renacimiento"

Renascimento, Retratos do Renascimento, Lorenzo Lotto

A Biblia de Rafael no Vaticano

2010-06-16T08:00:00.000+01:00

Uma das grandes obras de Rafael não pode ser visitada! Encontra-se dentro dos Palácios Vaticanos. São 52 afrescos pintados em uma enorme galeria de 65 metros de comprimento por 4 de largura. A galeria foi construída por Bramante e decorada por por Rafael com cenas que tratam do Velho e Novo testamento, desde a Criação do Mundo até a Última Ceia.

Dizem as más línguas que se pode solicitar uma permissão para visitá-la, mas isto ainda estou averiguando ... enquanto isso deixo vocês com algumas imagens desta maravilha (video de 39 segundos com Fernanda Takai), que um especialista afirma que apesar de não ser visitada, é uma das obras mais reproduzidas da arte ocidental. Para ver uma réplica, visite o Museu Hermitage. Catalina ficou tão impactada com os afrescos, que encarregou sua reprodução. Também há cópias das cenas na ante-sala do Senado Americano, em Washington.

Imagens video: http://www.wga.hu
Video: artetropia_2010

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Rafael Sanzio, Renascimento, Vaticano, Loggia di Rafaello, Obras que não se visitam no Vaticano